EDIPO, UN HÉROE

Edipo, condenado por su destino desde antes de nacer, hace lo que se supone que tiene que hacer. Cumple su destino, aquel que le marcaron los dioses,y que le llevará a ser recordado por siempre.

El tema del destino está muy presente en toda la literatura grecorromana. Creyentes fervorosos en que la realidad se gobernaba por designios superiores, que les llevaban por el mundo sin ninguna escapatoria, plasmaron esa indefensión que sentían ante la realidad en múltiples obras.

La realidad no era para ellos más que aquello que habían puesto en orden los dioses, y trataban de conocer cuál sería su destino antes de que este se produjera. Si ya estaba escrito tenía que haber alguna forma de conocerlo.

Para Edipo conocerlo no le salvó de llevarlo a cabo. Se casa con su madre y mata a su padre, aun sin saber que lo hace, simplemente cumpliendo su destino, el mismo que su padre intenta evitar apartándolo de la familia y de su vida, pero justamente ese hecho será el que le lleve a realizar el destino que tenía escrito.

Edipo no puede rebelarse contra su destino y el gran clímax de la obra se produce cuando lo acepta, cuando acepta su destino y da por cierto que no puede hacer nada contra él. Entonces deja de luchar y, ciego ya, castigado al menos, recorre Grecia con su tristeza, intentando pasar desapercibido, aceptando el camino que tiene marcado, su derrota y la sus actos. Unos actos que ningún otro humano podría aceptar. Por eso Edipo es un héroe.

AMBICIÓN, PODER, TRAGEDIA, ACTUALIDAD, SHAKESPEARE

La ambición por el poder es un tema básico en la cultura humana. Incluso en los períodos más turbios e inestables el ser humano tiene la ambición de gobernar, de detentar el poder y hasta hacer ostentación de él. Períodos de guerra, de luchas, de peligro para los gobernantes no han frenado nunca a nadie en sus ambiciones.

Muchas de las grandes obras de Shakespeare tratan de esa ambición por el poder, de los recursos, dentro o fuera de ley y de la moral para conseguirlo y de cómo perpetuarse en él. Como en el juego de las sillas, estar listo para sentarte antes que tu adversario, y hacer lo posible para que este fallé, es fundamental.

El rey Lear, Julio César o el mismo Hamlet hablan de esa ambición por el poder y de aquello que los ambiciosos están dispuestos a realizar con tal de poder llegar a gobernar. Matar a la familia incluido.

Asistimos en la actualidad a juegos semejantes, a representaciones diarias, actualizadas y políticas de las obras Shakesperianas. Diversos partidos políticos tienen luchas intestinas que amenazan con hacerlos desaparecer. Partidos con promesas de tal vez llegar a gobernar. Partidas con promesas de tal vez ser importante en una posible alianza. Castillos en el aire.

Pero la condición humana, ambiciosa, con ganas de mandar, de tener razón de ser el importante, el único, tira de los hombres hasta querer deshacerse de los suyos, de sus compañeros, de aquellos que tienen las mismas ideas y han compartido las mismas luchas.

Como a Lear o a Bruto o a Claudio, el poder les ciega, y les lleva a apuñalar, mentir, engañar, envenenar, a conseguir su objetivo sin pensar en si es bueno o necesario o ético o perverso. Y los perídoicos día a día se llenan de tragedias propias del bardo inglés, tragedias actuales, que se dan a cada momento, desde antes que Shakespeare las escribiera y mucho mucho después de que lo hiciera.

LA COMEDIA DE ARISTÓFANES Y LA SÁTIRA ETERNA

De entre los géneros clásicos, quedó mucho escrito sobre la tragedia y nada sobre la comedia. Sobre esto fabulaba En el nombre de la rosa. La parte perdida de la poética de Aristóteles sobre la comedia caería en manos de unos monjes y por ese códice se mataría y en torno a él habría un enorme misterio.

En la comedia clásica, la comedia antigua diferente de la media y sobre todo de la nueva que será la de Menandro y la que después pase a Roma, podía hacerse humor de cualquier cosa. Se reían de un calvo por ser calvo y de un melenudo por tener melena. Así eran estos cómicos de entre los que destacó Aristófanes.

El teatro en Grecia tenía cierto aire religioso. Las representaciones eran casi catarsis colectivas en las que los espectadores podían contemplarse a sí mimos. De ahí que la comedia, hecha como crítica de la vida diaria, tanto de los grandes hombres como de los simples, pudiera decir lo que quisiera, sin que nadie tuviera que montar en cólera por lo dicho.

Pese a ello Aristófanes tuvo problemas. Fue criticado. Fue incluso censurado, sobre todo a posteriori en las traducciones que de su obra conocemos. Pero nunca dejó de escribir obras, de reírse de todo y de todos, dioses incluidos.

Esta tradición casi terminó con él. Pero en Roma nace después la Sátira, que con el mismo espíritu habla de la realidad y de sus protagonistas. Pocas veces se ha visto una obra más ácida y más crítica que la de Aristófanes. El dinero, la guerra, el sexo, los filósofos, los dioses y muchos otros elementos básicos en la vida de la Atenas clásica aparecen criticados en ella.

La sátira, el humor crítico forman parte de nuestra cultura desde el siglo V ac, desde el inicio de nuestra cultura. Y pese a todo, pese a los ataques, los recortes en las libertades, la autocensura y el miedo, ha seguido produciendo, y muestra, todavía hoy, las caras risibles de la realidad.

MIGUEL DE MOLINA AL DESNUDO

En el Teatro Infanta Isabel de Madrid se representa y estará en carteles hasta febrero Miguel de Molina al desnudo. Una obra que repasa la vida polémica y controvertida de Miguel de Molina, uno de los grandes de la canción española, que hoy en día hubiera sido ídolo de masas y que en la época que le tocó vivir tuvo que salir de España.

Cantante y bailarín, Molina, amanerado y homosexual, que tenía relaciones con hombres que apoyaron a la república española, que cantó para los republicanos, tuvo que marcharse del país tras recibir una paliza.

Su vida, llena de aventuras y anécdotas se revisa en la obra, entremezclada con sus canciones más famosas como Ojos verdes o Bien pagá, unas canciones que no eran suyas, pero que hizo suyas, pese a la gran polémica que tuvo siempre con Concha Piquer, que decía que realmente ella las hizo suyas y las hizo únicas.

Un artista matizado por su tiempo y por sus circunstancias, que ahora revive en la obra, espejo en el que se han mirado artistas posteriores como Bambino o Falete, como artistas de un género que los rechaza por su condición y por su vida, pero que los admira por su valía, su valentía y su talento.

MASA Y VIOLENCIA

Durante años los centros de reuniones donde se juntaba más gente no eran los espectáculos deportivos, limitados a las corridas de toros, siendo estas en plazas de los pueblos, improvisadas y delimitadas con carros, sino los teatros. Pese a que ahora las reyertas, las trifulcas y la violencia se puede ver en el deporte y nadie consideraría la ópera o el teatro como sitios peligrosos, lo fueron durante muchos años.

En los teatros madrileños había incluso dos facciones diferentes, los chorizos y los polacos, que se juntaban y discutían en los teatros durante las representaciones de dramaturgos del momento como Zavala y Zamora. Durante el siglo XVIII las disputas y el mal gusto en el teatro fueron tan grandes que las instituciones tuvieron que poner orden prohibiendo, por ejemplo, los autos sacramentales, que se habían transformado casi en obras de ciencia ficción que movían más a la herejía que al culto, como así constataron al prohibir estas representaciones.

Pero no sólo en el teatro, también en la música ha habido problemas entre el público. Mucho más cerca en el tiempo de lo que podríamos pensar, en 1913 se produjeron incidentes en el estreno de La consagración de la primavera de Stravinski. Su música y su representación, demasiado modernas para los oídos de los asistentes produjeron no sólo pitos y pateos, sino también peleas entre el público e incluso el lanzamiento de alguna silla.

Evidentemente unir a mucha gente en un recinto puede provocar incidentes. No todo espectáculo gusta a todos, no todos están preparados ni educados como para respetar a los demás. Y pese a que parezcan alejados del arte y la cultura, los incidentes han acompañado a los libros, las obras de teatro, la música. Pateos, pitidos, insultos y peleas han sido habituales en los teatros, entre los autores.

Cuesta imaginar que los incidentes ocurran ahora en el teatro o en la ópera, pero casi ninguna actividad humana está alejada de la violencia. Porque esta es inherente al hombre. El propio arte lo ha mostrado muchas veces.

PERVIVENCIA DE LA ZARZUELA

Hay creaciones culturales que son hijas de un tiempo y que sólo se pueden dar en un tiempo y que pasado ese momento no tienen mucho sentido, o un sentido más bien nostálgico. Vistos, leídos o escuchados hoy, han perdido el sentido, la gracia y la vigencia.

Una de esas creaciones culturales que podrían pasar por difuntas es la zarzuela. El género chico español, hijo pequeño de la ópera, con piezas que mezclaban los entremeses y lo castizo con notas líricas e historias de todos tipos, fue enormemente popular y muy representado en todos los teatros de España.

Pero pese a que poco a poco el género ha ido perdiendo interés por el público general, y que ha quedado como algo que ya no se crea, que sólo tiene un limitado catálogo de obras que son las que se representan y triunfan.

Algo que es difícil de entender viendo esta situación es el éxito de los musicales, hijos a su vez de la zarzuela, con sus momentos actuados, sus historias similares, sus números de baile y su cercanía a la lírica. Esos musicales que han venido desde Estados Unidos tienen una relación muy evidente con la zarzuela y colonizan después los escenarios españoles.

Es decir que ese género que consideramos casi un fantasma, un género que tiene muy poca vitalidad, está muy vivo en su reencarnación americana que después cosecha éxito tras éxito en los teatros.

La editorial Cátedra publicó hace unos años una Antología del Género Chico, con textos que recopilan las más famosas y tal vez mejores zarzuelas: La boda de Luis Alonso, La Gran Vía, La Revoltosa y otros textos están ahí recopilados, y aunque queden casi como fósiles se puede ver en ellos lo que después encontramos en los musicales de Broadway y que tanto comulga con un público que no sabe que la zarzuela está detrás de todo eso.

LOPE EN EL TRABAJO

De vida y obra tumultuosa, Lope de Vega es tal vez el autor español más comparable con Shakespeare, el dramaturgo y poeta inglés que se supone lo escribió ya todo. Cientos de obras de todas las temáticas, casi todas de gran calidad además de una enorme y un tanto despreciada obra poética que puede casi compararse con la de Góngora y Quevedo, ese es el trabajo literario de Lope.

Su obra, tan basta que es difícil de abarcar y explicar, fue avalada por el público que en su tiempo y durante siglos ha visto en sus escritos la mejor forma de divertirse y de disfrutar de la literatura y el teatro. Lope da al público obras llenas de emoción, construidas con poesía y con elegancia, lo que en el tiempo en el que teatro era un espectáculo de masas no era nada fácil.

Pero si hay algo que sorprende de los autores del siglo de oro, sobre todo de Lope y de Cervantes, es su capacidad de trabajar con un método tan bueno cuando las condiciones y la tecnología lo ponía tan difícil. Escribir con pluma y tinta una obra tan magna como la de los dos autores madrileños tenía que ser muy difícil. Había que atinar muy bien lo que se escribía, tratando de no desechar mucho material, pues el papel y la tinta eran caros y difíciles de manejar.

En una muestra que en estos días se inaugura en la casa de Lope de Vega en Madrid se quiere mostrar algo de ese proceso, enseñando al público manuscritos originales de Lope, tratados caligráficos y el lugar donde probablemente Lope escribía sus obras.

Una gran forma de acercarse al cómo se producían las obras de Lope, esas que vemos representadas y que, pese a todo, han conseguido llegar a nuestro tiempo, intactas en la emoción que despiertan y sorprendentes en el método de escritura utilizado.

JARDIEL PONCELA EXPUESTO

Alrededor de los años 20 del siglo pasado, que es le siglo XX aunque a veces nos cueste creerlo, no sólo escribían los miembros de la Generación del 27, tan grandes y tan bien posicionados que han conseguido ocultar a todos los demás que en esa época escribían también muchos otros autores a los que se dedica mucho menos tiempo en los manuales, pero que hacían una literatura diferente y con mucha calidad.

Entre esos otros muchos que escribían está Enrique Jardiel Poncela un autor polifacético y genial, que tuvo en su personalidad y en su visión de sí mismo su mayor rémora. Jardiel, autor de algunas de las obras más divertidas, descaradas y modernas del teatro de la época, murió olvidado de todos, reconfortado sólo por el cariño de pocos amigos, como Fernando Fernán Gómez, que consiguieron mantenerse a su lado pese a todo.

La SGAE dedica estos días una exposición al talento de Jardiel, que iba mucho más allá del teatro y de la escritura. Se emitirán alguna de las películas basadas en sus obras (de las que recomendamos Eloísa está debajo de un almendro especialmente), se harán lecturas dramatizadas de sus obras y su poemas y se expondrán algunos de sus dibujos.

Jardiel llenaba sus libros, sobre todo sus novelas, de dibujos y comentarios fuera de la lectura, consiguiendo romper la barrera entre el autor y el lector, romper también la ilusión dramática, pero haciendo que el lector se viera inmiscuido directamente en lo que sucedía en la acción literaria. Esos dibujos, algunos de mucho talento, iban desde autorretratos hasta diseños de teatros como el del teatro giratorio que se podrá ver en la exposición que estará abierta hasta el día 15 de diciembre en la sala Berlanga.

LAS OBRAS COMPLETAS DE SHAKESPEARE EN DEBOLSILLO

La obra de William Shakespeare es ingente. Decenas de obras de teatro y centenares de poemas que andan, en muchos casos, desperdigadas por ahí, en diversas ediciones, sin mucho control ni mucha coherencia.

La editorial Debolsillo ha puesto un poco de coherencia en la edición de la obra del autor inglés y ha publicado toda su obra, dando contenido a los diferentes volúmenes que componen la edición. Ha separado por temas las obras que ha reunido en cinco volúmenes que tienen un doble atractivo, su precio y también que vienen en edición bilingüe, español inglés.

Comedias, tragedias, dramas históricos, romances y poesía componen esos cinco volúmenes que forman las obras completas del autor. Conocido fundamentalmente por sus grandes dramas, Romeo y Julieta o Macbeth, la obra de Shakespeare lo abarca casi todo.

Desde los sonetos amorosos más encendidos y más brillantes hasta las comedias más delirantes podemos encontrar entre sus escritos. Tragedias, dramas históricos, romances, casi todo lo ha escrito ya Shakespeare, como casi todo lo hizo ya Bach en la música.

Acercarse a obras completas es, en muchas ocasiones, complejo, complicado y sobre todo caro, así que esta edición de las Obras Completas de William Shakespeare, es un atrevimiento y una gran ayuda para todos aquellos que quieran adentrarse y no sólo acercarse a la obra del más influyente de los escritores anglosajones.

EL PÚBLICO, ÓPERA SURREALISTA

La obra dramática de Lorca puede dividirse en obras surrealistas, farsas y obras de una tendencia más clásica. La influencia que tuvo en Lorca el contacto con las vanguardias y el surrealismo sobre todo marca profundamente su poesía y alcanza a todo su teatro, aunque hay obras que son profundamente surrealistas, mientras que en otras son simplemente elementos o insinuaciones lo que encontramos.

El Público y Así que pasen cinco años son las obras fundamentalmente surrealistas del poeta granadino, de una gran complejidad escénica y comprensiva, han sido obras que han intentado ser puestas en escena pero que nunca han llegado a un éxito rotundo.

Comprender el surrealismo lorquiano, la profundidad y el significado de su simbología se hace muy difícil y trasladar muchos de los elementos de ese surrealismo de la mente del poeta a la realidad ha convertido a estas obras en prácticamente irrepresentables.

Tal vez las técnicas modernas de la animación serían lo más apropiado para que estas obras pudieran plasmarse y pasar del papel a la realidad, pero siempre hay quien se atreve a llevarlas a las tablas. Ese mismo sucederá dentro de unos meses con El Público, pero trasformando el texto lorquiano en una ópera.

El compositor Mauricio Sotelo y el libretista Andrés Ibáñez trabajan desde hace tiempo en construir una versión operística del texto, y han mostrado en más de una ocasión la dificultad para hacerlo ante la difícil comprensión del mismo.

Transformar en música el trabajo de Lorca se antoja difícil y esperamos ver cómo lo logra el compositor y si será verdad eso que anunció el malogrado director del Teatro Real Gerard Mortier de que se construiría la gran ópera española.

CALDERÓN DE LA BARCA Y LA REFLEXIÓN

En la imposible comparación entre Shakespeare y Lope, imposible por la gran repercusión mediática de Shakespeare gracias al poder de la cultura anglosajona, sobre todo en los dos últimos siglos, podría decirse que Lope saldría perdiendo en gravedad y en temas filosóficos.

Shakespeare con sus obras que meditan sobre grandes temas filosóficos y que podrían conformar incluso en sí mismos, sacando de aquí y allí, un corpus filosófico propio tendría la comparación en el siglo de oro español en Calderón de la Barca.

La obra de Calderón, grave y concienzuda además de acompañada de una poesía conceptista, llena de ideas y surcada de filosofía y religión, va más allá de las comedias tópicas y típicas que por entonces llenaban los corrales y los palacios.

Hombre respetado, Calderón pasó pronto a escribir sólo para la corte y para el Rey, convertido en dramaturgo oficial de la corte, Calderón se aleja de los corrales de comedia y estrena sus obras directamente en teatros cortesanos, más parecidos a los actuales.

La vida es sueño, obra que más allá de una reflexión sobre el ejercicio del poder y de la condición humana es un tratado filosófico acerca de la percepción, la realidad y la ficción y su existencia. ¿Vive el hombre o sueña que vive? esta idea que trata Calderón magistralmente es después recuperada por muchos otros, incluso por Gayman en su cómic Sandman.

Convertido en religioso, Calderón pasó los últimos años de su vida escribiendo autos sacramentales que hablaban de lo banal de la vida material y mundana y de la importancia de la vida terrena.

Autor de una obra magna, Calderón, que comparte tiempo, vida y escenarios con Cervantes, Lope o Quevedo, está entre los grandes de la literatura y su obra puede competir con la de cualquiera. 

LOPE UNA VIDA Y UNA OBRA

A día de hoy Shakespeare sigue siendo un misterio. Su vida, su familia, su origen, su obra y mucho más sigue estando en la sombra de lo desconocido. Tal vez fuera un actor que escribía, tal vez sus obras no son suyas sino un nombre común, tal vez no existiera, o tal vez fue tal y como lo imaginamos.

Sin embargo sabemos mucho de Lope de Vega. Nacido en Madrid fue desterrado a Valencia por publicar unos versos satíricos. Autor popular, a su vuelta de Valencia escribió centenares de comedias (más de cuatrocientas), poemas y alguna obra en prosa.

Además de eso puso en un tratado la forma correcta de crear el teatro al gusto de la época, una forma de escribir que aún ahora es efectiva a la hora de crear espectáculos representables. El arte nuevo de hacer comedias es el mejor manual para cualquier escritor de la época y para cualquier escritor actual.

Hombre de vida tempestuosa, de gran fortuna, fue uno de los primeros escritores profesional y no sólo eso, sino que también ganó muchísimo dinero y una enorme fama. Tuvo enormes éxitos y grandes fracasos. Fue sacerdote y amante. Se enemistó con Góngora. Y con Cervantes.

Ese hombre, ese único hombre, escribió dramas como El Cabellero de Olmedo, una obra que es lo más cercano de la tragedia que ha escrito el teatro español. O creó comedias como La dama boba.

Si de Shapeskeare sólo conocemos su obra, inmensa en todos los sentidos, de Lope tenemos, además de eso, su maravillosa historia personal, propia de una de sus obras. Una de esas obras que aún funcionan, que siempre funcionarán porque, lejos de plasmar un contexto, plasman la condición humana de todo tiempo y lugar.

TEATRO CLÁSICO EN VERANO

En los meses de verano, recorrer el país, u otros países, lugares poco habituales, lugares que se salen de lo común, es habitual para muchos. Y además de eso tratan de ligar sus viajes a algún hecho cultural que aporte un extra o que sea la excusa para visitar un lugar. Los lugares de interés arqueológico, histórico o artístico se pueblan durante estos meses.

Un buen plan para recorrer el país es visitando los festivales que los teatros clásicos ofrecen. Construcciones que se conservan desde los tiempos de Roma o del siglo de oro, se revitalizan en verano y ofrecen un gran repertorio para atraer a los espectadores, que además de ver una obra pueden contemplar lugares interesantes.

Obras como Medea, Otelo, El caballero de Olmedo, y muchas otras de un repertorio que va desde Grecia y Roma hasta el siglo XIX pueblan los teatros españoles que están abiertos para los turistas espectadores.

Gracias a esos turistas muchos pueden asistir a representaciones únicas en sitios únicos y especialmente concebidos para el teatro. Ver el teatro como se veía cuando fue concebido en origen.

Mérida, Olite, Alcalá de Heranes, Mérida o Niebla reciben durante estos meses muchos visitantes que dejan dinero en sus arcas. Algo tan importante para la economía local que consigue que el teatro vuelva a representarse generando un círculo que beneficia a todos: teatro, espectadores, localidades y actores.

DESGENERADOS, UN CONCIERTO INVERTIDO

Con el título de Desgenerados, un concierto invertido, Víctor González y Sara Pérez, cambiaron ayer los papeles y cantaron y cantaron y cantaron canciones que se intercambiaron, él cantado las canciones que siempre han cantado mujeres y ella cantando canciones que siempre han cantado hombres.

Toda una demostración de talento, sentido del humor, improvisación y sencillez, en un espectáculo que contaba con canciones de Cole Porter, Raphael, El fantasma de la Ópera, Puccini o Stephen Sondheim.

Un espectáculo que parte desde el punto de vista de que ambos se van a cambiar, que van a trastocar su sexo y van a actuar con el del otro, pero que cuenta sobre todo y ante todo con la maravillosa simpatía y gran voz de los protagonistas.

El texto no estaba muy trabajado, los detalles del espectáculo se perdían a veces, pero todo ello con sencillez, frescura, generando la complicidad del público que se mostró entregado a los protagonistas.

Desgenerados es algo así como salir de la Gran Vía a unas calles más allá y encontrar allí a los que actúan en esos teatros haciendo algo más cercano, más talentoso y más divertido. Una especie de Off Brodway que llegó al centro cultural Galileo y que llenó de diversión, alegría y vida la noche del lunes.

Desgraciadamente parece que va a ser un espectáculo único, sin repetición, porque tenía como finalidad recaudar dinero para rodar un corto. Pero sin duda ninguna si Víctor González o Sara Pérez acuden a vuestra ciudad o cerca con alguno de sus múltiples (eso esperamos) trabajos, no dejéis de asistir. Son dos grandes artistas, dos grandes cantantes, dos grandes caraduras.

ESTAMPAS DEL TEATRO DE LOS 40, EN EL MARÍA GUERRERO

La historia del teatro español de después de la guerra es de la recreación de lo perdido. Muchos autores en el exilio, muchos autores muertos, actores que han marchado a otros países o que han muerto en la contienda o que simplemente se han hecho muy mayores para los papeles. Y sobre todo un público que quiere alegrías después de muchos años de tristezas.

Para ello el panorama no cambia mucho. La comedia burguesa, comedia de costumbres en todas sus variantes, desde Benavente a los Álvarez Quintero, sigue siendo la que triunfa. Eso y el humor en todas sus variantes. Ha muerto Muñoz Seca, pero le saldrán herederos.

Todo ese mundo del teatro de los 40 es lo que se encuentra representado en la obra Estampa del teatro de los 40 que se representa ahora en la sala Princesa del Teatro María Guerrero.

Un café madrileño, de los que volvían a poder ofrecer café después de la guerra tan dura y durante una posguerra que será aún más dura, donde se juntan autores, actores, directores y críticos es el punto donde nos sitúa el autor para comprobar qué pasó con el teatro en esa época.

Sin la televisión, internet y sin la competición tan directa y abusiva del cine, el teatro era la principal diversión de la gente, y aquellos que hacían las obras eran famosos y lograban reconocimiento y dinero.

Mihura, Marqueríe, Conchita Montes, Luis Escobar y muchos otros protagonistas de la época se juntan en ese café donde el espectador es un voyeur de lo que sucedía allí. Un documento de lo que era el teatro entonces y de lo que es ahora por comparación. Y además de un documento, también una obra con su propio desarrollo y tensión dramático. Teatro dentro del teatro, para saber de dónde viene y a dónde va el arte que siempre está en crisis.

TEATRO 1989-2014, JUAN MAYORGA PUBLICADO

Hemos hablado antes en este blog de la salud del teatro (mucho mejor de lo que siempre se piensa y sobre todo mucho mejor de lo que parece y de lo que se dice) y hemos convenido en que hay nuevas obras, nuevos autores y un movimiento continuo de actores, espectadores y directores.

Pero nos quejábamos de la falta de publicación de obras teatrales. La falta de editoriales atrevidas que publiquen teatro, motivados por una posible escasez de lectores y por lo tanto también por el riesgo económico que podría suponer para esas editoriales, era una posible causa de esta falta de obras teatrales llevadas al papel.

La editorial La Uña de Rota, sin embargo, ha decidido apostar por el teatro y por uno de los autores más importantes del panorama teatral español en la actualidad. Con el título de Teatro 1989- 2014 se publican siete obras de Juan Mayorga.

Autor de un teatro muy variado, que va desde el de tinte político hasta el poético, Mayorga triunfa en los escenarios y ahora lleva su obra, por fin, a la prensa. Siete obras que han sido un éxito en las tablas y que ahora buscan lectores.

Es bien cierto que el formato elegido, siete obras juntas, con un volumen de más de 700 páginas pueda dar un poco de miedo a los lectores, pero tal vez eso se compense con el precio, 25€, bastante moderado para un volumen de estas características.

Una buena iniciativa, que esperamos tenga repercusión y sobre todo que sirva para que el teatro sea más editado y sobre todo mucho más leído.

ADELA Y PEPE EL ROMANO, LO QUE NO SE VE EN LA CASA DE BERNARDA ALBA

Hay personajes que llaman la atención porque no están en la ficción, pero siempre son mencionados en ella. Godot es un personaje así. Esperado y aguardado durante toda la obra de Beckett, no aparece nunca en la escena.

Y como él sucede lo mismo con Pepe el Romano, el hombre que no aparece nunca en escena en La Casa de Bernarda Alba. Ese hombre, que es el prometido de la hermana mayor de las hijas de Bernarda, provoca una gran convulsión de la que sólo vemos su repercusión, pero no su acción directa.
Pepe, un hombre guapo y macho, es introducido en un contexto donde todo es opresión, clausura, muerte. Allí el personaje produce el mismo efecto que una bomba: su influencia acaba por hacer que la situación explote.

Prometido a una de las hermanas, mantiene, sin embargo, un romance con la hermana pequeña de la casa, que es también la más alocada y hermosa. Ese romance propiciará que la obra, todo tensión y clausura, se vuelva un drama, casi una tragedia.

Ver la obra desde el punto de vista de Pepe, ese personaje ausente que sin embargo condiciona todo lo que sucede en la misma, es lo que pretende la obra Adela, que estrenará  la compañía Barluk teatro en el Fernán Gómez de Madrid el día 7 de mayo.

Un diálogo entre Adela, esa hermana pequeña hermosa y con deseos de libertad, y Pepe, ese hombre tan hombre que puede a la vez cortejar a dos hermanas de la familia, es lo que cuenta esta obra que abre un arco narrativo y ficticio distinto: qué fue de Pepe, qué pensaba Adela los momentos antes de su muerte, cómo pasaban sus horas.

Un personaje ausente que se hace presente, aunque en la obra original su presencia se hace notar más que su ausencia. 

EL CONTINUO MAL NOMBRE DE LA SGAE

Con las varias noticias, comentarios y rumores que circulan, es difícil tener una opinión favorable de la SGAE. Parece un grupo muy poco homogéneo, que está siempre o casi siempre en continua riña, que quiere sacar rédito de absolutamente todo, y que, pese a ello, sólo consigue beneficios para unos pocos de sus socios.

La SGAE funciona casi como una metáfora del poder político. Unos dirigentes que están en la prensa por delitos varios relacionados con las finanzas que los demás les dejan administrar. Y que además gobiernan y tratan abusivamente a sus gobernados.

Además de gestionar derechos de autor de diversos medios, los dirigentes pensaron que el negocio estaba en el sector inmobiliario. Pero parece ser que no les salió demasiado bien. Gastaron, entre otras inversiones, 81 millones de euros en dos teatros de la Gran Vía madrileña que ahora quieren vender por 58.

Pero ni siquiera esa cuestión está clara, porque parte de los asociados quieren tener potestad para votar si esa decisión es buena o no, si quieren o no vender los teatros. Una gestión económica que está a punto de llevar a la quiebra a la entidad y la constante lucha de poder está en el fondo de estas polémicas.

Mientras, los derechos de autor están gestionados por esta entidad que entrega a sus asociados los réditos de lo que crearon. Un sistema difícil de reproducciones, ventas y demás que requiere de mucho esfuerzo y de mucha técnica y vigilancia.

Una cuestión difícil, que nos lleva a pensar en las manos en los que están los derechos de tantas y tantas obras que apreciamos. Al hacer uso de ellas no siempre contribuimos a que ese autor prospere y se gane la vida, sino que aportamos a una entidad ruinosa, judicializada y compleja que se gana a pulso el mal nombre que tiene.

LOS ESTRENOS DEL DOMINGO DE RESURRECCIÓN

El domingo de Resurrección era antes un día de alegría. Tras toda una semana centrada en la pasión y la muerte de Cristo, con toda alegría casi prohibida, con todos los centros de cultura cerrados y con los medios de comunicación suspendidos y que sólo emitían música clásica (requiems en su mayoría, aunque también pasiones), el domingo era un día máximo de alegría.


Muchas ferias y fiestas comenzaban ese día. A las doce de la noche todo volvía a ponerse en marcha: las atracciones, los carruseles, los bares y muchas otros servicios festivos por fin podían celebrar la resurrección de Cristo y por supuesto retomar la alegría.


Y había dos cuestiones fundamentales en ese día: los toros y el teatro. Los toros celebraban ese día como el más grande junto al 15 de agosto. Multitud de corridas se celebraban por todo el territorio nacional, costumbre que en muchos sitios se comparte.


El teatro tenía en el domingo de resurrección su gran día. Las obras que los autores habían estado escribiendo, ensayando y puliendo se estrenaban ese día. Eran días de grandes galas, el teatro se llenaba de hombres y mujeres de etiqueta, que se quitaban el duelo de encima y que asistían por fin a un espectáculo que les prometía diversiones.


En ese día se estrenaban grandes comedias por las que los teatros pagaban mucho dinero. También la recaudación era alta. Y los autores eran los más conocidos: Arniches, Muñoz Seca, los Quintero, Benavente, Mihura, Neville. Casi todos cómicos que esperaban crear una comedia que les diera para vivir durante mucho tiempo.


Con el tiempo el cine también se sumó a esta tradición. Y en muchas ocasiones, los teatros, temerosos de las malas acogidas, reestrenaban obras consagradas de autores conocidos que no podían fallar y que les garantizaban varias semanas de recaudación.


Pero los tiempos cambian y el teatro, que siempre vive mejores tiempos de lo que presume, perdió este día. Ya no hay estrenos, ni grandes autores que elijan ese día. Sólo es un día más, con una competición más con el fútbol, el cine y la televisión. Un día más que tal vez deberían intentar recuperar. No importa si en esta o en otra fecha.

REPOSICIÓN DE AY, CARMELA EN GALILEO GALILEI

Entre el teatro de finales del siglo XX destaca una obra que no se movía en los estándares que tenían las demás. En esa época destaca el teatro que se centraba en la realidad, que ponía ante los ojos de los espectadores lo que se veía en la calle, con crudeza y con el humor propio de la realidad.

A mediados de los 80 se estrenaban obras como Bajarse al moro o La estanquera de Vallecas, que además de tener cierta retranca del siglo de oro en sus títulos, reflejaban la cambiante situación de la sociedad española del momento. Y ambas, además fueron llevadas con gran éxito al cine.

Pero en esa misma época había quien todavía volvía los ojos al pasado, al tiempo anterior en el que la Guerra Civil y la dictadura lo marcaron todo. Ay, Carmela escrita por José Sanchís Sinisterra cuenta una historia que se desarrolla durante la guerra.

Una pareja de cómicos recorre el frente para divertir a los soldados y ganarse la vida como mejor pueden y saben, haciendo reír y haciendo olvidar a los soldados la situación. Pero además de su trabajo hay que tener en cuenta sus ideas políticas, sus sentimientos y su pasado.

Con ese trasfondo de teatro dentro del teatro, de actores que actúan de actores y con el contexto de la Guerra Civil, el autor compone una tragicomedia en la que el espectador se ve inmerso en un tobogán de subidas y bajadas, de sufrimiento y risa.

Ahora se repone la obra en el teatro Galileo de Madrid, aunque confiamos en que como muchas otras obras, pueda girar y pasear su espectáculo por muchas otras capitales españolas. Y además de eso, la reponen con un gran elenco y a un buen precio. Dos datos que siempre hay que tener en cuenta a la hora de elegir un evento cultural.