LA EXPOSICIÓN DE MINGOTE Y EL QUIJOTE

De entre las muchas facetas que encontramos en el trabajo de Antonio Mingote, la de historietista es sólo una más, la más conocida sin duda, pero sólo una más. Durante su vida Mingote fue actor, militar, escritor, pintor e ilustrador, por citar sólo alguna de las más conocidas.

Miembro de la Real Academia de la Lengua, Mingote, emparentado con los humoristas que habían sacado adelante la más ambiciosa muestra de humor en España, La Codorniz, tuvo una gran fascinación por El Quijote, lo que le llevó a publicar una versión ilustrada de la obra que se conoce como El Quijote de Mingote.

En este año que se rinde tributo a cualquier manifestación relacionada con el libro de Cervantes, muchas de esas ilustraciones se han reunido en una exposición en Alcalá de Henares. En ella podremos recorrer la novela cervantina en más de doscientas ilustraciones.

La obra ya había ilustrada con profusión cuando Mingote llega a ella. Famosísimas ilustraciones la acompañan o la muestran, desde Doré hasta Dalí. Pero la de Mingote tiene una especial vinculación con la obra cervantina, pues es la obra de un humorista. El Quijote, resumido y reducido a su mínima expresión, es un libro humorístico, pero casi todas las ilustraciones que lo acompañaban eran duras, frías, tristes, mostrando más el lado desolador y real del personaje que el humorístico.

Las ilustraciones de Mingote, con su habitual trazo y su colorido, muestran a un Quijote más cómico, más cercano a Cervantes, más amable y también algo más humano pese a su forma de personaje de viñeta.

La exposición, en el Antiguo Hospital de Santa María la Rica, estará abierta hasta el 31 de Mayo. El Quijote de Mingote aún está disponible. Al igual que toda su obra, en la que podemos encontrar, como en casi todo el humor, un algo cervantino, una mirada entre real y fantástica, loca y cuerda, humana y tierna. 

FERNANDO VICENTE, UNIVERSOS EN EL MUSEO ABC

Por esas cuestiones de la vida a Fernando Vicente le faltó nota para hacer Bellas Artes. Como muchos otros con otras carreras Vicente no pudo acceder a su aspiración, pero trabajando y aprendiendo él mismo consiguió hacerse un hueco en el mundo de la ilustración y el arte poco a poco, lo que da el mensaje de que rendirse puede ser rídiculo algunas veces.

En su trabajo como artista e ilustrador Vicente ha realizado múltiples trabajos, desde ilustrar revistas y periódicos a realizar caricaturas o a crear directamente series de marca propia. Muchas de estas obras se han podido ver en alguno de sus libros como Vanitas o Literatura Ilustrada.

Haciendo justicia a la ilustración, esa rama del arte que tan poco cuenta y cuyos miembros tratan siempre de sobrevivir con más pena que gloria, el Museo ABC dedica una exposición a la obra de Vicente, un ilustrador que trabaja como un pintor, o un pintor que trabaja de ilustrador.

Con el título de Universos la exposición recoge casi 200 piezas del autor que repasan toda sus trayectoria, desde sus primeros trabajos en el Madrid de la movida a su paso por El País, o a sus trabajos ilustrando libros como Dŕacula, un trabajo que le valió múltiples elogios.

Una exposición en la que nos sentiremos como en casa, pues muchas de sus obras, a pesar de no tener nombre ni autor para el público, salieron de su talento, de su caballete. Una exposición que muestra a nuestros ídolos literarios, a Pin-ups a las que amamos o simplemente rincones de la vida que hemos recorrido muchas veces.

VAN DER WEYDEN EN EL PRADO

En su política de sacar partido a sus fondos y mostrar todo lo que tiene, el Museo del Prado ha preparado para estrenar esta semana Santa un exposición sobre uno de los grandes pintores flamencos, vinculados a España y al museo por la historia, que tiene sus fondos en la pinacoteca madrileña: Van der Weyden.

Autor de grandes pinturas religiosas, tratando todos los tópicos de la vida de Jesús, Van der Weyden con una pintura seria y dura, pero con una gran cantidad y calidad de detalles, sabe plasmar no sólo el realismo de las escenas que presenta si no también cierto aire de pesadumbre y de melancolía sobre las imágnes que muestran la vida de Cristo.

Muchas de esas escenas muestran a Jesús y su Pasión. Detenido, condenado y torturado, Jesús sufre tremendamente antes de morir y por eso todas sus escenas tiene ese aire sobrecogedor, ese aire de infinita tristeza y trascendencia.

Pero incluso La Virgen con el Niño tiene ese aire de melancolía y tristeza que en muchas ocasiones se asocia a la imagen de Cristo, a su representación. Pictóricamente, en el cine o incluso en la escultura, Jesús tiene un aire de inmensa tristeza, a pesar de ser, como dice la composición de Bach La Alegría de los Hombres.

Y Van der Weyden vio y transmitió esa tristeza: en su calvario, en su descendimiento, en su crucifixión, y en otras imágenes de la vida de Jesús. Y ahora podemos ver esa tristeza que el hijo de Dios, consciente de su sacrificio, de la muerte que le espera y del destino de la raza humana en esas pinturas que se exhiben hasta el 28 de Junio.

ÉRASE UNA VEZ... EXPOSICIÓN DE ANA RODRÍGUEZ PASTOR EN TOLEDO

El trabajo de Ana Rodríguez Pastor como ilustradora no es nuevo para nosotros. Durante muchos años ha colaborado con Creatura (y en muchos aspectos sigue colaborando). Aquí hemos podido ver sus dibujos y también sus viñetas, no sólo muy bien hechas, bien dibujadas, sino también muy divertidas, con unos textos ingeniosos y divertidos.

Ese trabajo también hemos podido verlo en libros infantiles, en exposiciones colectivas o individuales en Illescas o en una serie de trabajos para juegos y cartas on line. Y eso es sólo la punta del iceberg del trabajo de Ana, que va desde esos dibujos a la joyería, pasando por casi cualquier cosa que combine el arte y la artesanía.

La Escuela de Arte de Toledo expone en su sala Matías Moreno, desde hoy martes 17 de marzo y hasta el 10 de abril un conjunto de ilustraciones de Ana sobre la ciudad imperial. Érase una vez... Toledo es el título de la exposición en la que veremos a los personajes de Ana pulular por la ciudad que siempre ha estado ahí. El Tajo y sus puentes, sus calles estrechas, la judería, las iglesias y ese ambiente tan especial que hay en la ciudad han sido coloreados por los ojos y las pinturas de Ana que da su imagen tan optimista y tierna de la pétrea y hermosa ciudad.

Una exposición que no hay que perderse, por ver Toledo, por ver el trabajo de Ana y por ver cómo Ana ve Toledo. Muchas razones para verla y casi ninguna excusa para no ir. Consulta todos los datos y los horarios en la imagen que acompaña a este post. No te lo pierdas. 

MODIGLIANI EN EL THYSSEN

Cuerpos alargados como una gran recta, con formas curvadas pero extendidas, hacia arriba, como creciendo. Eso era lo que Modigliani pintaba cuando pintaba un cuerpo humano. Formas alargadas, finas, que recuerdan, en cierto modo, a las de El Greco, a las caras y cuerpos alargados que el pintor cretense dejó en sus obras.

Perteneciente a la vanguardia europea, en esa época en la que aún no habían llegado las guerras y un poco después, con la gran alegría del final de la primera gran guerra, Modigiliani vivió en París, centro mundial de todo, con Apollinaire, Picasso o Rivera.

Influenciado por Klimt o Cezanne, realiza multitud de retratos y pinturas del cuerpo humano, reflejando esa línea recta. Con expresiones decaidas y aburridas, con abultamientos circulares repentinos, la obra de Modigliani representa un cuerpo humano que se funde con lo arcaico, con lo más profundo del ser humano.

Ahora el museo Thyssen realiza una exposición sobre el pintor y escultor (tuvo que dejar la escultura por los problemas de salud que el polvo de la piedra le provocaba) italiano. Desde hoy y hasta el 18 de mayo tenemos ocasión de ver una antología de sus obras en el museo madrileño.

Una ocasión para aprovechar pues la obras visitan Madrid y luego vulven a su destino, desmontando esa unidad que nos permitirá ver una obra en conjunto, esa poética del arte que practicó el italiano. 

MÉNDEZ BRINGA EN EL MUSEO ABC

Con el auge de la prensa, decenas de publicaciones se suceden en todas partes de España, de carácter local o nacional, y de la publicidad, los carteles están por todas partes y son dibujados artesanalmente hasta que llegan a la prensa, los dibujantes viven su edad dorada entre principios de siglo y el desarrollo de las nuevas tecnologías.

Diseñadores, ilustradores, pintores, artistas y narradores, todo a la vez, estos artistas despuntan en ABC, Blanco y Negro, las portadas de las colecciones de novelas (la novela del sábado, la novela semanal, lecturas) creando no sólo un estilo propio, sino modificando la moda, el vestir y el comportarse de la gente.

Muchas de las creaciones de Xauradó, de Sileno, de Picó van creando la moda de la mujer y del hombre, las formas de comportarse. Entre esos diseñadores están humoristas como Tono o Enrique Herreros o modernos artistas como Bartolozzi.

Uno de los más famosos es Méndez Bringa, al que el museo de ABC dedica un monográfico mostrando sus trabajos para la casa que incluyen portadas para el periódico y para Blanco y Negro, su revista señera así como otros trabajos para Prensa Española.

En pleno modernismo, Méndez Bringa retrata a mujeres que corresponden con el ideal poético que aparece en Rubén Darío o en Juan Ramón Jiménez. Retrata una España que está en cambio, entrando en un nuevo siglo, y cuyos personajes reciben también reminiscencias de París y de la Belle Epoque.

Gran ilustrador, notable pintor, capaz de captar la esencia de los objetos y de los personajes, de sintetizar los sucesos y las realidades, las historias en unas pocas imágenes, Méndez Bringa fue maestro para muchos y supo realizar un trabajo notable en un campo que permitía a los artistas ganarse la vida y defender su modo de ver la realidad y mostrarla a un público amplísimo.

EL CANTO DEL CISNE. EL FIN DEL CLASICISMO

El clasicismo pasó de moda de forma casi inmediata. Estábamos en el siglo XIX y los temas y los estilos del gran clasicismo, en casi todas las artes, quedaron barridos del arte. El neoclasicismo los había devuelto de una manera dogmática y la libertad del XIX con el romanticismo y la preocupación social que vino después, barrió del arte para siempre los grandes temas, sobre todo pictóricos.

Los temas mitológicos, los temas religiosos, el retrato, pasaron de moda o se reconvirtieron tan brutalmente, que casi nada quedó de ellos en lo posterior, que olvidó la pintura representativa y que avanzó en la abstracción y la interpretación del mundo más que en su representación.

En la Fundación Mapfre proponen hasta el 3 de mayo una exposición que habla sobre ese final de la pintura clásica. De ahí que la hayan llamado El Canto del Cisne, es decir, la última y tal vez más preciosista muestra de ese arte que durante tantos años llenó y llenó los cuadros de los más grandes de todas las épocas y los lugares, de Velázquez a Rubens, de Vermeer a Durero.

Cuadros cedidos por el Museo D'orsay, muestran el mundo tal cual lo soñaron los clásicos. Ninfas, dioses, cuadros religiosos, momentos gloriosos inmortalizados, todo eso podremos encontrar en el Museo que la fundación tiene en Recoletos.

Un mundo que casi se cerró en la época por imaginado y visto por aquellos que lo cerraron, que lo acabaron y que lo hicieron con toda la fuerza, expresividad y vitalidad. Podemos ver así cómo acabó un mundo, una forma de expresarse, toda una forma cultural que así acabó.

RAMÓN Y SU DESPACHO

En ocasiones la personalidad o la persona de un autor permanecen por encima de su obra. Su forma de ser, los recuerdos que los demás guardan de él, las historias que sobre él se cuentan van más allá de su obra, que queda en un segundo plano, casi ninguneada por la vida. En España el caso de Ramón Gómez de la Serna es el ejemplo más claro de esos autores cuya vida supera a su obra.

Si preguntáramos, pocos sabrían decir una obra de Ramón, y muchos menos serían los que hubieran leído una. Las greguerías, esa mezcla de humor y metáfora, son sus creaciones más famosas, pero no llegan a ser una obra, sino más bien una compilación de frases o máximas.

Sin embargo, su relación con la bohemia y las vanguardias, su presencia capital en las tertulias, su influencia sobre los autores de su tiempo, es bien conocida por cualquiera. La tertulia de Pombo es probablemente la más conocida de cuantas se desarrollaban en el Madrid de los años 20, con la presencia de intelectuales de todos los tipos.

Pero su obra, extensísima, ha quedado un tanto rezagada, marcada por una originalidad que la hace poco comprensible para el lector actual. Esa obra, que recorre todos los géneros, apenas se reedita o se lee y se ha quedado además de olvidada, anticuada, falta de un editor o un crítico que la acerque al público actual.

En su vida tan peculiar, destacaba su despacho, que aún hoy atrae al público. Tanto es así que una vez más está siendo recreado en el Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad de Madrid, en el antiguo cuartel del Conde Duque. Ese despacho, donde Ramón pasaba los días creando, está lleno de baratijas recogidas de todas partes, especialmente del rastro. También son conocidas las muñecas que acompañaban al autor, o su mesa con montones de cachivaches.

Con esta recreación del despacho de Ramón se reabre ese Museo de Arte Contemporáneo, que además cuenta con obras de autores como Jorge Oteiza o Ouka Leele.

VAN GOGH, 125 AÑOS

Los años pasan y con ellos se acumulan las conmemoraciones. Los hechos históricos, sumados unos a otros, intercalados en el calendario, se suman y se celebran para recordar lo que pasó o para obtener un rendimiento de algún tipo.

Se cumple estos días el 125 aniversario de la muerte de Van Gogh, el pintor holandés del impresionismo, perseguido por una leyenda que parece acrecentar con mucho su valía como autor y que es famoso tanto por su vida como por el precio que sus cuadros alcanzan en las subastas.

En los museos de todo el mundo se distinguen sus obras, se colocan en lugares más privilegiados y se juntan para hacer exposiciones como la que podemos encontrar en el museo Thyssen con cuatro lienzos del pintor holandés.

Pero en museos de todo el mundo se preparan diferentes exposiciones sobre el autor, como la que enfrenta a Van Gogh con Munch en Amsterdam con muestras paralelas de los dos pintores. En muchos otros museos de Bélgica, Francia, Luxemburgo o Alemania podremos encontrar pinturas de Van Gogh esperándonos.

ARTE Y RELIGIÓN: A SU IMAGEN

Su papel predominante, y único en muchos casos, hizo que la religión católica fuera no sólo depositaria de las creencias del pueblo, sino también una fuente de arte y cultura. Bien como tema o bien como inspiración, la religión está presente en numerosas obras, exaltando sus valores y mostrando trazas de sus muchos mitos e historias.

Este hecho tan evidente se plasma en la música, en la literatura, en la escultura, la arquitectura y la pintura. Todas las artes dedicaron gran parte de sus obras a explicar la fe, a fomentarla y a contar muchas de sus historias. Y lo hacían de una forma tal que las obras que se producían han pasado al catálogo de maravillas artísticas, o al menos al de piezas artísticas dignas de ser estudiadas, conservadas y contempladas.

En el Centro Cultural de la Villa de Madrid una exposición pictórica repasa esa relación entre el arte y la religión, esa relación entre lo que se cuenta y cómo se cuenta. Con obras de Rubens, Goya, Velázquez, Ribera cuentan no sólo la fe, sino también las historias que la acompañan.

El Génesis, el Apocalipsis, la Anunciación, retratos de la Virgen, pero también historias bíblicas como la de Sansón o la de Ezequiel se dan cita en esta exposición que cuenta con una temática única pero variada y sobre todo con piezas de autores importantes de épocas muy diversas, mostrando como el tema religioso no pasó de moda y estuvo vigente durante siglos en la historia del arte.

Desde 7 euros y hasta el día 12 de abril puede hacerse este paseo que cuenta la relación entre el arte y la religión y que también cuenta la historia del cristianismo, de sus mitos y narraciones, a través del trabajo de grandes artistas clásicos.

ARTE, ODIO Y LA EXPOSICIÓN DE BERNINI

Las intrigas palaciegas, los odios y las envidias siempre han formado parte de la historia no sólo del arte, sino también de la humanidad. La película Amadeus estaba narrada por el gran enemigo y contrario de Mozart, si bien esa relación entre Mozart y Salieri estaba un poco exagerada en la película.

Mucho más cierta es la rivalidad y el odio que se tenían Góngora y Quevedo, un odio irracional entre dos de los más grandes poetas de su tiempo (no olvidemos que comparten tiempo con Lope y con Calderón) que llevaron al extremo sus diferencias artísticas y personales, llegando ambas a mezclarse y a dejarnos en los textos evidencias de las mismas.

Se presenta estos días en el Prado una exposición sobre Bernini y dicen los periódicos que esto ha sacado a la luz una nueva controversia artística, una enemistad entre dos entidades gigantescas: el propio Museo del Prado y Patrimonio Nacional.

Patrimonio no ha querido ceder dos bronces del artista italiano a la exposición que el Museo inaugura estos días dejando así a la exposición de 38 piezas un poco huérfana. Y es que parece que allí donde hay artistas y arte hay odios y enfrentamientos y choques. El arte conlleva en ocasiones una forma de ver la vida, y esa varía según el éxito, la corriente artística o la institución a la que se pertenezca.

No deja de ser curioso que sea la figura de Bernini, que tanta polémica levantó en su época con enfrentamientos con el Rey de Francia, o con el Vaticano, la que ahora siga levantando ampollas. Un artista tan extraordinario como su capacidad para sembrar odios y afectos por donde pasaba, y que, según parece, hace buena esa frase que tanto se dice sin sentido y que aquí sí lo tiene, no deja a nadie indiferente.

Una exposción sin embargo, que sigue teniendo interés y sentido, mostrando una pequeña parte de la creación de este pintor, escultor y arquitecto italiano que sigue tan vigente como el odio, algo que nunca se acaba.

EL PRADO Y EL DIBUJO, UNA NUEVA EXPOSICIÓN

El Prado inaugura estos días una exposición sobre dibujo que no es única ni mucho menos, ya que hace no demasiado tiempo ya planteó otra. Y es que el cuidado por este arte en el museo español es fundamental, como atestiguan sus más de 9000 obras catalogadas entre las que hay maestros como Miguel Ángel o Goya.

En la exposición que se plantea ahora, tiene el protagonismo un albúm de dibujos que fue comprado por un comerciante inglés hasta que, por diversas peripecias propias de una novela de aventuras o del Halcón Maltés, llegó al museo de Hamburgo que las presta para esta exposición.

Entre lo que se expondrá encontramos obras de Goya, Alonso Cano, Murillo o Valdés Leal, grandes pintores que en sus dibujos muestran el mismo arte y su expresividad que en sus pinturas.

Si no parece tiempo ahora de grandes exposiciones, salvo las auspiciadas por conmemoraciones, el Prado está sabiendo desenvolverse y reinventar sus materiales para seguir en boga y acercar al público al museo, algo que no se antoja fácil.

Dibujos de todo tipo se encuentran entre esta exposición, desde los apuntes de trabajo hasta los más acabados y minuciosos. Una exposición que se adentra en la importancia del dibujo para el arte y la pintura y que el Prado muestra no sólo para los especialistas, los que buscan las fuentes de las obras terminadas, sino para que comprobemos cómo nace la pintura, desde dónde se elabora y hasta dónde llega.

MÁS SOBRE EL GRECO

Mientras aquí agotamos nuestras fuerzas en los últimos meses de conmemoración del año de El Greco, con diversas exposiciones, actos y demás actividades que han revitalizado la labor del pintor cretense y que han dado mucho lustre a los museos toledanos y madrileños que tienen pinturas del autor, en Estados Unidos se unen a esta conmemoración.

Hasta un total de 27 pinturas del autor permanecen en aquel país que se dispone también a mostrar al público la maestría y sobre todo la personalidad propia del trabajo pictórico del autor, tal yc omo ya han hecho las ciudades españolas.

Dos ciudades, con cierto pique, expondrán estos cuadros en dos exposiciones diferentes: Nueva York y Washintong, mostrando sus valiosas colecciones (obtenidas en épocas en las que todo se vendía en Europa) y evidenciando la modernidad del autor, algo que hemos oído tanto aquí ya que lo tenemos como dogma.

La labor del pintor cretense se nos antoja magna a la vista de las numerosas exposiciones, cuadros y procedencias de las obras que se han juntado en los últimos tiempos. De todas partes han venido cuadros y visitantes para ver algo que en muchos casos estaba aquí sin más lustre ni visitas que las acostumbradas y obligatorias de algunos colegios.

Parece que la moda, en palabras modernas el postureo, es siempre imprescindible en el arte, y si hoy el gran artista de todos los tiempos es El Greco, otro día, en otro momento, lo será Zurbarán o Juan Gris, cuya valía aumentará significativamente y que se convertirán en maestros de todos los demás.

Dejando de lado estos irónicos hechos, El Greco sigue despertando interés en su año, y sigue dando réditos a la pintura y creando beneficios para los museos y las ciudades, algo que el pintor logró de la nada, de los lienzos en blanco, como muchos otros artistas que ahora trabajan creando de la nada.

EL HUMOR DE IBÁÑEZ, EXPOSICIÓN EN EL CÍRCULO DE BELLAS ARTES

El humor es una cuestión difícil. Hacer reír a los demás con cosas que están en la cabeza de otro, y que hacen reír a otro, es complejo, porque no todos se ríen igual, no todos se ríen de lo mismo y no todo puede ser bien visto por todos los espectadores. Así que hacer reír a mucho y durante mucho tiempo es algo muy complejo.

Esa capacidad la ha tenido desde hace muchos años Ibáñez, el dibujante de Mortadelo y Filemón. Armado de un humor fácil y amable, que se centra muchas veces en el humor físico y en el verbal más simple, como las primeras comedias cinematográficas, Ibáñez ha sido capaz de sobrevivir en el mercado del cómic y sobre todo del humor desde 1956.

Las claves de su humor son evidentes, dos tipos que tienen mucho de miserables y de listillos, que pretenden ser siempre los mejores y que no saben que en realidad son dos tipos de pacotilla. Los golpes que se propinan el uno al otro y su capacidad para enredar y entorpecer hasta lo más fácil provocan la risa de cualquiera.

Ese sistema, más el fijar la vista en una realidad difuminada, con países ficticios y exagerados que podrían parecerse mucho a países reales y ciertos, ha conseguido que el humor de Ibáñez sea universal y esté vigente.

El Círculo de Bellas Artes de Madrid ofrece una exposición sobre el trabajo de Ibáñez que incluye originales del autor así como mucho otro material que será interesante para todos los admiradores del trabajo del dibujante barcelonés. Una exposición que muestra la biografía de Ibáñez a través de sus personajes, los que le mantienen casi esclavizado a su mesa de dibujo.

SOROLLA Y AMÉRICA

Como país joven y lleno de energía y sobre todo de dinero, los Estados Unidos atraían a mucha gente a sus tierras en busca de una vida y un futuro mejor. Entre los hombres que fueron a ganarse la vida no sólo había trabajadores de diferente cualificación, sino también artistas que fueron tentados y seducidos por el empuje de esa nueva nación.

Un ejemplo de ello es Antonin Dvorak, el compositor checo que invitado al país, compuso tal vez su sinfonía más famosa con el tema de las nuevas tierras como principal. La Sinfonía del Nuevo Mundo se convirtió en el mayor clásico del compositor que cuenta entre sus obras con otras muchas y de gran calidad.

Del mismo modo y casi al mismo tiempo Sorolla, el pintor español, realizó una gira por Estados Unidos, exponiendo su obra y mostrando su valía a coleccionistas y artistas del país. De esa gira nacieron numerosos encargos y cantidades de obras que ahora se encuentran en el país americano.

Esas obras entre las que se encuentra incluso un retrato del entonces presidente del país, Taft, han batido todos los récords de vista cuando han sido expuestas en museos de Dallas y San Diego y han llegado ahora a España para conformar una exposición.

En ella podrán verse sobre todo retratos pero también obras de otro tipo encargadas por mecenas americanos como obras realistas y de carácter social. Estas obras serán expuestas en la Fundación Mapfre hasta el 4 de enero de 2015.

Sorolla un pintor del que hay catalogadas más de mil quinientas falsificaciones, un pintor que puede codearse con los grandes de la pintura española, puede verse en su trabajo privado en estos cuadros que se complementan con la obra del pintor existente en el Museo Sorolla, uno de las más visitados de Madrid.

CANTORALES, EXPOSICIÓN EN LA BIBLIOTECA NACIONAL

Las desamortizaciones que poblaron la vida económica y política de la España del siglo XIX, recordemos que consistió en enajenar y en muchos casos nacionalizar bienes e inmuebles de la Iglesia, supuso para el patrimonio español la recolección por parte del Estado de montones de bienes de suma importancia histórica.

Esos bienes fueron nacionalizados y puestos en manos de instituciones públicas para que estas los custodiaran y con el avance de los años y los cambios en los procesos de enseñanza y de explotación cultural, los mostraran al público formando importantes colecciones en museos nacionales o en otro tipo de instituciones públicas. Gran parte de los fondos del Museo del Prado, del Museo Nacional de Escultura o de la Biblioteca Nacional fueron adquiridos por el Estado de esta manera.

Ese rico patrimonio que atesoraban los monasterios y centros eclesiásticos (recordemos que durante siglos fueron los custodios y guardianes de la cultura universal) contaba con centenares de códices y muchas más obras que fueron depositadas en la Biblioteca Nacional.

Entre esos libros, litúrgicos y de cualquier otro tipo, se encontraban los cantorales que las congregaciones religiosas utilizaban para anotar la música y la letra que los coros debían interpretar durante las celebraciones. Ilustrados con preciosas miniaturas y con una gran información sobre la composición musical, la poesía religiosa, pero también con otras informaciones de carácter más mundano.

La Biblioteca Nacional, que tiene como función conservar y mostrar el patrimonio, expone muchos de esos cantorales durante los próximos meses. Una visita curiosa a la música antigua, pero también al mantenimiento de la cultura, viendo cómo ha sido posible que el conocimiento, gracias a Dios, no haya desaparecido y podamos conservar, disfrutar y mostrar aquello que se hizo para gloria de Dios y los hombres hace más de quinientos años.

MÁS SOBRE EL GRECO: LA BIBLIOTECA DEL GRECO EN EL PRADO

Una vez terminada y en proceso de desmontaje la exposición sobre el Greco en Toledo, el balance económico sobre la ciudad de Toledo ha sido muy positivo. La exposición ha revitalizado el turismo y llenado la ciudad durante semanas.

Muchas de las obras permanecerán en la ciudad siendo posible visitarlas en sus lugares originales o bien en el mismo museo en el que ahora se ha desarrollado la exposición. Otras obras volverán a sus lugares habituales o formarán parte de nuevas exposiciones.

En el Museo del Prado desde el día 1 de abril se puede visitar la exposición la Bilioteca del Greco, en la que se puede observar la relación entre el pintor y los libros, con anotaciones y opiniones propias del pintor, muchas de ellas en manuales sobre pintura o arte.

Además de muchos libros la exposición contiene también algunas obras originales del pintor griego. Una exposición que bucea en las fuentes del Greco, en los manuales que leía, en las lecturas que le inspiraron y en las técnicas que fue aprendiendo y utilizando.

Una exposición para saber mucho más de cómo trabajaba el pintor cuyo legado tanto se ha explotado en los últimos meses y que tan interesante se está mostrando para los espectadores. Un interés que confiamos en que no se pierda.

EXPOSICIÓN DE PINTURA NAIF EN EL SALÓN DE TÉ SHIVA

El término naif utilizado en el arte se refiere a un arte con ciertos rasgos infantiles, un poco ingenuos, con colores brillantes, que tiene mucho de juego y de buscar lo sensitivo en el espectador. Es un arte que se relaciona con el espectador llamando su parte más primaria, su parte más infantil y divertida.

Este tipo de arte es el que se expone desde ayer en el salón de té Shiva (en la plaza del Corralón de Illescas). De sus paredes cuelgan lienzos de colores brillantes y llamativos, que te hacen volver los ojos a ellos aunque no quieras. Cuadros que afectan positivmanete en tu estado de ánimo, llenos de azules celestes, gatos de largas pestañas y amarillos felices.

Para esta primera exposición del lugar es Mansura la artista que ha puesto su arte al servicio de los clientes del lugar, que además de pasar allí un rato agradable, pueden contemplar y sentir el efecto de la pintura e incluso pueden llevarse a casa uno de esos lienzos de los que también cuelgan sus precios.

Un arte distinto, que llama a los más primario, a lo más auténtico de nosotros mismos y que nos hace conectar con la parte más alegre de nuestras vidas y de nuestro tiempo. Una felicidad que se traslada de los cuadros a los espectadores sin freno.

Compruébalo por ti mismo, pásate por allí y quédate un rato delante de esos cuadros. Verás como te sientes mucho mejor. 

ROMA Y LOS ETRUSCOS

Al principio, Roma no era más que un pequeña aldea en las cercanías de un río. Sólo fue la tenacidad de sus ciudadanos lo que llevó a esa pequeña aldea ser un imperio tan grande y duradero como ningún otro. Tanto que aún perdura su lengua, sus costumbres y su organización en nuestra cultura.

La expansión que llevó a cabo desde entonces empezó en los alrededores de su territorio, tardando mucho en imponerse a los Samnitas, sus enemigos del sur.o a los cartagineses por el dominio del mar Mediterráneo.

Pero tal vez la expansión más crucial para Roma y su cultura fue la guerra y destrucción de Etruria. El contacto con los Etruscos proporcionó a los romanos mitos, dioses, técnicas artísticas y mucho más. La cultura etrusca fue finalmente asimilada por Roma que, con en otras ocasiones, se ensañó con sus enemigos hasta casi borrarlos de la historia.

De lo poco que queda de la cultura etrusca que conocemos es lo que se presenta en una exposición en el Palacio de Exposiciones de la capital de Italia. Unas pocas estatuas, vasijas, orfebrería y algunos otros materiales que hasta el 20 de julio se podrá contemplar.

El de los etruscos ha pasado a ser casi un enigma histórico ¿Hasta qué punto influyeron en Roma? ¿Cuánto de la cultura romana está copiado de los etruscos? ¿A parte de la adivinación, que otros elementos de la cultura etrusca asimilaron los romanos y nos trasmitieron después?

Esas preguntas y muchas otras son las que pretende contestar esta exposición que esperamos que no se quede en Roma y que viaje por algunas ciudades españolas, igual que hicieron los propios romanos con su cultura.

TOLEDO CONTEMPORÁNEA, PRIMERA EXPOSICIÓN DEL AÑO DEL GRECO

Entre los múltiples actos que acoge Toledo y otras ciudades del entorno sobre el IV Centenario del Greco, hay varias exposiciones de las más variadas temáticas que serán albergadas en diferentes localizaciones de la ciudad Imperial.

La primera de ellas se aleja mucho del concepto del Greco y de pintura que tenemos. Una exposición sobre arte contemporáneo representando Toledo y el arte toledano, su catedral, sus fiestas y sus rostros.

Varios artistas de distintas procedencias llenarán con su visión moderna del arte la iglesia de San Marcos hasta el día 14 de Junio en los que podremos observar sus vistas de la ciudad o cómo en sus manos y ante sus ojos la catedral se transforma en un nuevo y moderno ser.

Al igual que ellos, un día el Greco fue un vanguardista, un moderno artista que con su concepción diferente y amplia del arte y de la pintura, fue capaz de crear un mundo propio, de rostros afilados y colores brillantes que aún hoy sigue llamando nuestra atención.

No centrarse sólo en lo que el griego toledano pudo hacer, sino ampliar la visión a otros artes, a otros mundos y a otros tiempos es una gran idea. Porque no el arte no se detiene. Y sigue enseñando sus mundos recreados.