A FAVOR Y EN CONTRA: EL LIBRO DEL CEMENTERIO (VERSIÓN ĆOMIC)

A favor:

1. Porque cuenta una historia divertida.

2. Porque mezcla fantasmas, vampiros, duendes, sectas y seres mágicos con un niño simple y puro.

3. Porque es literatura de aventuras de la de siempre.

4. Por lo bien que hace P. Craig Russell las adaptaciones de Gaiman.

5. Porque sin haberlo pretendido Gaiman escribió un cómic. Y un gran cómic.

6. Por Nad.

7. Porque puede gustarle a gente de 8 a 80.

8. Porque mezcla estilos de dibujo y hace con ello un gran cómic, diferente siempre y siempre con continuidad.

9. Por la señorita Lupescu.

10. Porque siempre espera una nueva aventura.

11. Porque puede animar a muchos a leer la novela de Gaiman. O cualquier otra novela de Gaiman.

En contra:

1. Que esté en dos tomos.

TRES AVENTURAS DE SPIROU (SPIROU INTEGRAL VOL. 12)

Spirou pertenece a una editorial, eso lo diferencia de otros personajes de historietas, de cómics. Eso ha hecho que hayan sido muchos los autores que hayan escrito y dibujado historietas del botones. Grandes talentos que eran reclutados por la editorial y que tenían ideas que triunfaron tanto como Los Pitufos o los Snorkels.

En la reedición que Dibbuks está haciendo de toda la obra de Spirou le ha tocado el turno esta vez a tres cómics creados por Nic Broca y Raoul Cavin, tres historias entrelazadas que cuentan con todos los elementos que hicieron del botones belga uno de los iconos del cómic europeo.

Fantasio y Spirou, de vacaciones en la costa, dan un paseo en barco y allí se encuentran con unos científicos. Ellos tienen tecnología para hacer de la Tierra un lugar mejor, pero todos los quieren solo para que fabriquen armas, así que ellos deciden marcharse del planeta y vivir en otro donde nadie los moleste.

Ese es el entramado argumental que recorre estos tres albumes y que tendrá ocupados a Fantasio, Spip y Spirou en diferentes aventuras, en locos inventos y en viajes por tierra, mar y aire. Porque si algo define a las aventuras de Spirou es la aventura mezclada con cierto tono cómico.

Esas aventuras forman una trilogía que se disfruta desde el primer momento y que va acompañada de varias historias cortas y de un dossier con la historia de los autores con el personaje, cómo llegaron a Spirou, cómo fue su trabajo y cómo y por qué se marcharon.

Una nueva aventura de Spirou con la que rellenar el tiempo hasta que salga la siguiente. Una salida que siempre se desea y que como todo lo que se desea, siempre tarda demasiado.

SIN LA SOMBRA DE LAS TORRES, DE SPIEGLEMAN

Que el cómic era mucho más, que no eran solamente las historias ligeras y fáciles de unos cuantos tipos con poderes extraordinarios que servían para excitar las mentes adolescentes, se confirmó definitavemente para muchos con Maus, la gran obra de Art Spiegelman sobre el holocausto judío.

Una obra desgarradora en la que Spiegelman bucea en su propia vida y la de su familia, en la relación con su padre, protagonista del cómic, que sobrevivió al campo de Auschwitz, en la historia de sus padres, con el amor y el matrimonio y la peripecia en el campo, tan complicada, tan dura, tan asquerosa. Con un dibujo en blanco y negro, con un toque deshumanizador en el aspecto ratonil de los personajes, Maus es una enorme muestra del cómic y de la cultura y la historia humana.

Spiegelman volvió de cierta forma al mismo tema de la maldad y la autodestrucción humana con Sin la sombra de las torres, una historia sobre el 11 de Septiembre. Otro episodio histórico, lleno de maldad, horror y muerte, que supuso un gran cambio en la mentalidad y que ha generado multitud de representaciones culturales.

La de Spiegelman explora esa tragedia desde el punto de vista de la ausencia, de lo que ya no está, de lo perdido y arrebatado. Una obra que busca en la perspectiva de los que quedaron y vieron como tanto y tanto se perdió y observan con asombro que todo sigue, a pesar de todo.

Una obra que ahora se reedita en España y que es accesible en un momento en que esa sensación de peligro y pérdida y violencia y absurdo se va acrecentando con los distintitos ataques, con la sensación de que la vida no vale nada, de que todo es peligroso y provisional. Una crónica de nuestro tiempo, de este tiempo que se repite y vuelve y vuelve. 

EL WINNIPEG DE NERUDA

Pablo Neruda dijo algo así como que la historia se lleve mis poemas, y si tiene que recordarme alguien, que sea por esto. Lo decía en relación al Winnipeg, el barco que fletó para llevar a unos 2000 refugiados españoles desde Francia hasta Chile después de la Guerra Civil.

La historia muestra al Neruda más compremetido. El poeta recibe una carta de Alberti en su casa chilena. Los españoles que llegan a Francia como refugiados son maltratados por el país galo, hacinados en una playa, sin ningún tipo de servicio, mueren a cientos, de frío, de hambre, de enfermades relacionadas con las condiciones insalubres.

En esos campos de refugiados son tratados más como prisioneros. No tienen libertad para salir de ellos. No pueden sobrevivir allí. Lo único que pueden hacer es morir. Huyendo del avance de las tropas nacionales, caen en las redes francesas. Muchos vuelven a la guerra, la II Guerra Mundial está a punto de estallar y ellos serán soldados en esa contienda. O caerán en manos de los alemanes que les internan en campos de trabajo, concentración o exterminio.

Pero unos pocos llegan al Winnipeg, el barco que Neruda consigue fletar para llevar a 2200 españoles desde esas playas hasta Chile. 2200 son los que el presidente del país le permite llevar, creyendo que no será capaz. Pero lo fue.

Esa odisea, huyendo de las costas españolas, de la inminente guerra, de los submarinos alemanes, es la que cuenta Winnipeg: el barco de Neruda, una novela gráfica o cómic que muestra una historia desconocida del final de la Guerra Civil, ese final que tuvo tantos villanos, pero también algún héroe. Lázaro Cárdenas fue uno de ellos. Neruda fue otro. Esa historia, pequeña pero grandiosa, merecía ser contada. Y Laura Martel y Antonia Santolaya le han dado voz y dibujos.

BATMAN, AÑO UNO

Existe una característica peculiar en el mundo del cómic, el hecho de que los personajes pertenezcan a una editorial y no a su creador. Eso ha permitido mucha libertad y variedad, pues el guionista iba variando de número en número, dando su propia perspectiva del personaje, creando y recreando elementos en su propia elaboración de un mito.

En ese contexto hay que entender Batman Año Uno. Frank Miller, ya curtido como dibujante y guionista, llega a la serie del murciélago y la recrea una vez más. Empezamos de cero viendo como Bruce Wayne llega a Gotham y cómo intenta salvar una ciudad que tal vez no se merece ser salvada.

Intercambiando el narrador en primera persona entre Batman y el aún teniente Gordon, el cómic cuenta la historia reconstruida de esos personajes que se enfrentan a un destino y a un trabajo que está por encima de sus posibilidades, que está más allá de lo posible y se parece más que a ninguna otra cosa a un trabajo mitológico.

El enfrentamiento de Batman Año Uno no es tanto con los delincuentes, como contra la corrupción, el gran enemigo de todos los sistemas. La corrupción pervierte el sistema e intenta mantenerlo siempre igual para seguir aprovechándose de él, para conseguir su propia supervivencia.

Esa corrupción, el ambiente sórdido del Gotham pre Batman, un lugar menos recomendable aún que las peores zonas de las peores ciudades, centra el relato de esos hombres que están condenados a entenderse, a luchar juntos contra todo. Es la historia de una futura amistad, de una amistad que será y que se empieza a fraguar antes incluso de que ambos personajes se conozcan.

Una historia de Batman, de su creación, de cómo llegó a ser quién es. Una historia de conocimiento, como todas las iniciales, en las que el joven Bruce Wayne comprenderá qué tiene que ser realmente Batman.

GOYA, HISTORIA DEL ARTE EN CÓMIC

La figura de Goya siempre ha sido muy llamativa, tanto dentro como fuera de España. Un hombre que era capaz de penetrar de tal forma en la realidad y de mostrarla con cierto aire deformado para hacerla más real, más cierta, añadiendo a la verdad la sensación del espectador, en una España como aquella, que gritaba ¡Vivan las cadenas! no deja de ser un ente extraño para los españoles y los extranjeros.

Autor de una obra magna y excelsa, Goya, poseído por la razón y también por la pasión artística, que es capaz de actuar como periodista de la realidad, de realizar tapices, retratos y hasta la serie de pinturas negras, capaz de decorar las paredes de una iglesia con frescos, ese Goya insólito en un país descompuesto, en guerra y con continuos cambios políticos, asombra a España y al mundo.

Sordo y viejo, viudo ya, refugiado en una casa de Madrid, furioso y clarividente, Goya pinta las paredes de esa casa de Madrid con pinturas sobre la realidad que transforma en pura negrura, en dolor y expresión de su cercanía a la muerte, de su desapego de la vida.

Un cómic francés recrea ahora ese momento de furia creadora del pintor aragonés. Impresionados por la obra de Goya, Oliver Bleys y Benjamin Bozonnet, escriben y dibujan esa etapa de la vida del pintor, fabulando un poco y recreando otro poco ese final de la vida del pintor.

Obra oscura como las pinturas de Goya, el proceso creador, el sentido de los 14 frescos, son repensados por los Bleys y Bozonnet en este cómic que cuenta la historia del arte español, uniéndose al que hace poco se publicó sobre Velázquez. Una obra que mezcla la historia del arte y la ficción, la fantasía y la realidad, para recrear uno de los grandes momentos de la creación artística de ese pintor que fue un genio en un país que los había perdido todos.

CONSTANTINE EN EDICIÓN INTEGRAL

Para conectar al héroe del verde, la Cosa del Pantano, con su parte más espiritual y enseñarle muchas de las cosas que después le servirán en todas sus luchas, sobre todo en la más importante, la que conectaba con Crisis en tierras infinitas y que cerraba la serie Gótico americano, Alan Moore creó a John Constantine.

Constantine era un antihéroe típico. Fumador. Con un toque irónico y malvado. Déspota. Mujeriego. Chulo. Con mucho parecido físico a Sting y una eterna gabardina beige, Constantine es un detective que conecta con el otro mundo, con la parte mística y desconocida que hay en la realidad.

Con estas características, Constantine no tardó en tener un serie propia, aunque de ella ya no se ocupó Moore. Hellblazer fue el título que se dio a su aventuras y grandes autores se ocuparon de él, poniéndole en interesantes disyuntivas, como la necesidad de pactar con el diablo para salvarse de un cáncer de pulmón.

El personaje está ahora muy de moda. Después de su adaptación cinematográfica ha saltado ahora a la televisión con una imagen más parecida a la del cómic. Y además y sobre todo ECC la editorial que se ocupa de las ediciones de DC en España va a sacar un integral de las aventuras de Constantine.

Centrándose en sus grandes autores y grandes series, esta integral viene a sumarse a otras que con gran acierto está recuperando la editorial y que da la oportunidad a los rezagados o los novatos de engancharse a grandes series o personajes, desde Y el último hombre hasta Sandman, pasando por este Hellblazer o Astro City.

Constantine, que ha pasado por las manos de los más grandes del medio, desde Moore hasta Neil Gaiman, es uno de los héroes más complejos del cómic. Y aunque nunca sabremos qué le sucedió en Newcastle, podremos conocer el resto de sus aventuras.

YO, ASESINO, PREMIO DE LA CRÍTICA EN ANGOULEME

El festival de cómic de Angouleme es con seguridad el más importante de toda Europa. Un festival que cuenta con muchos años tras sus espaldas y que además de contar con la mejor de la industria, establece unos prestigiosos premios. Grandes obras y autores han sido premiados por el festival y en esta ocasión el premio de la Crítica, uno de los más prestigiosos que concede, ha recaído en un cómic español, Yo, asesino.

Creado por Keko y Altarriba (el mismo que guionizó la vida de su padre en El arte de volar), el cómic cuenta la historia de un profesor de Historia del Arte que quiere hacer eliminar las fronteras entre arte y vida y que comienza a trabajar en un proyecto que convierte el asesinato en arte.

Con este presupuesto, el cómic explora la condición humana y el momento social y cultural que vive el hombre actual, inmerso en una furia continua, en una fugacidad cada vez más rápida y con conceptos morales cada vez más difícil de aplicar y entender. También reflexiona sobre el arte y sus limites, hasta donde puede llegar y hasta qué punto puede existir.

Con un dibujo poderoso, donde el rojo sangre resalta en muchas ocasiones, impregnando casi las páginas, haciéndolas casi pegajosas, el cómic impacta tanto por su temática y desarrollo como por su dibujo, por lo que no extraña que haya recibido el importante premio de Angouleme.

Una obra que reflexiona sobre el ser humano, su moral y sus creaciones, en un momento en el que la violencia está cada vez más presente, más cercana, contaminando todo los ámbitos de la vida, desde el arte hasta el deporte, y siendo cada vez menos un problema moral y más un problema estético. Como lo es para el protagonista de Yo, asesino. 

REYERTA EN LA FERIA, MALET, TARDI Y NÉSTOR BRUMA

Pese a que los grandes de la novela negra han sido tradicionalmente los escritores en lengua inglesa, desde Conan Doyle hasta Chandler, con todo el cambio de registro que eso supone, hay una gran tradición de este tipo de novelas en otras lenguas y latitudes. La literatura en francés, pese a tener normalmente un componente menos populista, ha dado también grandes autores en este género. El mayor es sin duda Simenon, pero también hay otros como Leo Malet que hablaron de crímenes y detectives, con un aire a Hammet y a Chandler en sus escritos.

Néstor Bruma es el detective de Malet y con cierto parecido al agente de la continental de Hammet o al Philip Marlow de Chandler, se mueve en el París de posguerra, que se manejaba con cierta alegría por la victoria y por haberse sacudido el dominio alemán. Pero muchos ecos de la guerra quedaban aún en la época, excombatientes que no se adaptan, deudas por pagar y cierta costumbre a la violencia.

Ese ambiente de posguerra y ese detective son los que toma el dibujante Tardi para llevar al cómic la obra de Malet. En un blanco y negro que le da mucho tono de cine negro a la obra y con unos diálogos chispeantes y llenos de ironía, Bruma se lleva golpes y los reparte en el París alegre de los 50 y los 60.

Conocido por su visión de la Primera Guerra Mundial, sobre todo por La Guerra de las Trincheras, Tardi ha adaptado sus novelas favoritas de Malet con sentido del humor, pero sin suprimir ni un ápice de la dureza que estas muestran, pues son en muchas ocasiones el género más cercano a la tragedia griega.

Reyerta en la Feria es una de esas adaptaciones, en las que Bruma, por casualidad, se ve inmerso en un caso truculento, donde la familia, los amigos y el azar se unen para dejar un gran reguero de cadáveres y una radiografía de la condición humana, para la que el dinero, el poder, el sexo y el yo están por encima de todo.

HAARMAN, EL CARNICERO DE HANNOVER

La atracción que los malvados y los depravados ejercen sobre nosotros es muy visible en la atención que reciben muchos asesinos en serie, incluso después de su detención. Marcados normalmente por una vida de sufrimiento y dolor, estos individuos utilizan la muerte y la violencia para dar salida a sus sentimientos y sufrimiento sí acaban por atraer la atención hacia sí. El hijo de Sam, Charles Manson y muchos otros acaban por hacerse famosos por sus actos deleznables e incluso tienen fans, admiradoras y amantes gracias a su maldad.

Esa fascinación por sus actos fuera de lo común es lo que puebla las obras de ficción con ellos. Series de televisión, películas, libros, cómics llenan sus páginas con las historias reales de estos personajes, o recrean sus acciones y sus actos con personajes ficticios que se comportan con ellos.

Hace unos meses hablábamos de Mi amigo Dahmer, un cómic sobre el carnicero de Milwaukee, en el que uno de sus compañeros de clase hablaba sobre el joven Dahmer, el que él conoció y que finalmente acabaría por convertirse en un asesino, necrófilo y caníbal.

En el mismo sentido La Cúpula publicó hace un tiempo Haarman, la historia de otro carnicero, el de Hannover. La historia de este hombre, que asesinaba adolescentes, los violaba, les seccionaba la carótida de un mordisco y después vendía su carne a sus vecinos.

Un cómic con unas grandes dosis de horror, verosimilitud y crueldad, dibujado con mucho detalle, en un tétrico blanco y negro que sirve para adentrarse en el mundo oscuro y horrendo de Haarman, uno de esos personajes que muestran lo peor del ser humano, su lado más destructivo y doloroso. Un lado del ser humano que provoca fascinación por lo alejado que está de la norma y asco por lo malvado de su comportamiento.

SPIROU, EL BOTONES DE VERDE CAQUI

Las tres patas del cómic europeo podrían ser Astérix, Tintín y Spirou. Con grandes dosis de sentido del humor y con mucha aventura estos tres personajes y sus ayudantes y compañeros han llenado páginas y horas de muchos lectores.

De los tres el menos conocido es Spirou. Botones de profesión, creado en 1938, años después de Tintín, con el que guarda muchas semenjanzas, Spirou es un aventurero clásico, que se enfrenta a criminales, con conspiraciones, que busca tesoros.

Acompañado por Fantasio, por una ardilla que es su mascota y por el marsupilami, un animal semi mítico, con cola retractil y mucha fuerza, Spirou recorre el mundo viviendo esas aventuras llenas de acción y misterio en los que el bien siempre triunfa sobre el mal y en las que los miembros de su equipo se enfrentan a grandes peligros de los que salen victoriosos.

A diferencia de Astérix o de Tintín, Spirou no pertenece a un autor, sino que es propiedad de una casa editorial. Esto ha hecho que durante toda su larga vida haya tenido muchos autores, muchos dibujantes y guionistas que trabajado con el personaje del mismo modo que los autores y guionistas de Marvel o DC han trabajado con sus héroes.

Ahora la editorial Dibbuks va a publicar las aventuras del botones belga en España, empezando por El botones de verde caqui, aventura situada en el período de ocupación nazi de Bélgica. En el álbum Spirou y Fantasio se enfrentan a los nazis con sus habituales audacias y temeridades.

Esperamos que llegue pronto a las librerías y que podamos recuperar a este personaje, menos conocido que Astérix o Tintín, pero que en el imaginario de muchos está a la misma altura que el reportero y el galo.

MIEDO, PODER, LIBERTAD. V DE VENDETTA

Tras un grave atentado, el gobierno decide endurecer las leyes y concentrar más poder y recortar libertades para preservar la seguridad de sus ciudadanos. Hay un contexto complicado en el mundo y el país, encerrado en sí mismo, prospera económicamente y no vuelven a repetirse protestas ni atentados.

Podría estar pasando ahora mismo, pero esa idea de un atentado terrorista que sirve para que un gobierno restringa las leyes y la libertad y acabe por asumir un poder absoluto, es la que desarrolla Alan Moore en V de Vendetta, un cómic icónico por la máscara característica que luce su protagonista que se ha transformado un emblema de la libertad.

Tras los atentados de París vuelve a pensarse en controlar más a los ciudadanos por parte del gobierno, porque así protegerían mejor de presumibles ataques terroristas. Si todos estamos controlados absolutamente, nadie puede hacer nada ilegal. O lo que es lo mismo, pagamos un supuesto bienestar con nuestra libertad.

En el cómic, el Estado se ha vuelto totalitario, no hay libertad de expresión, de movimiento, de religión, ni libertad sexual. Puedes ser enviado a campos de reeducación por tu condición sexual o por ser un agitador cultural o por expresarte libremente. Uno de los personajes, el cómico más famoso del país, esconde su condición sexual para poder sobrevivir y cuando hace una sátira de su líder es detenido por la policía.

Con el cómic Moore pretendía alertar del peligro de que la sociedad se asuste y le de el poder a quien no debe. Esos, llegados al poder, establecen un gobierno totalitario. Y la libertad y la vida se acaban ahí. Una fábula inteligente que alerta de los peligros del miedo, de cómo nos manejan con él y cómo el poder absoluto no es tan difícil de lograr. Una historia ficticia que se parece mucho a la realidad, tanto que merece reelerla en estos días reales que se repiten, otra vez, casi iguales a los imaginados.

EL PARAÍSO PERDIDO DE AULADELL

La expulsión del hombre del paraíso, cualquiera que sea este, real o imaginario, es una de las grandes tragedias del hombre. La colectiva es la expulsión de ese paraíso en el que incialmente morábamos. Ese paríso puede ser el bíblico, pero hay otros de los que hombres posteriores han sido arrancados, expulsados, a reinos de dolor, a infiernos en vida. Tras la proclamación de la república, la dictadura de Franco fue para muchos la caída en el infierno, y sobre todo la subida al cielo de esa república que ha llegado a ser en el imaginario casi tan ideal como la de Platón.

Pero también los paraísos personales caen. La infancia, como gran paraíso del hombre, queda caída con la edad adulta que nunca es como se piensa. El amor, como paraíso privado de cada uno, puede llegar a caer y confundir en el infierno a los que no pudieron salvarse y conservarlo. Paraísos perdidos siempre.

Nadie mejor que John Milton supo reflejar, en una fastuoso poema épico, la pérdida de ese paraíso ideal y bíblico por parte del hombre. Milton, ciego, cerca de la muerte y proscrito por la sociedad, compuso este poema épico religioso, en el que se muestra la caída en desgracia del hombre.

Pablo Auladell ha traslado el poema épico de Milton a viñetas y lo ha transformado en un cómic para la editorial Sexto Piso, que ya ha trabajado en el mismo sentido con otros textos como Moby Dick.

Con escenas que muestran toda la crudeza del infierno, de la pérdida del paraíso, con la caída del hombre, esa perfecta criatura que se gana su destino a base de errores, y manteniendo la tensión en la narrativa, sobre todo a base de impactantes viñetas, Auladell ha sabido llevar a otro medio de expresión una de las obras magnas de la literatura inglesa, una obra que repasa la misma trayectoria del hombre, la caída siempre, la constante pérdida de su felicidad por su propia culpa, por su inmensa culpa.

YUDOKU, GENTE TÓXICA

Todos conocemos a alguien que saca lo peor de nosotros mismos. Alguien que nos contagia su tristeza, su dolor, su apatía, alguien tóxico, cuya presencia a nuestro lado nos hace sentirnos a disgusto con nosotros y con el mundo, que nos llevaría, lo sabemos, a la depresión en el largo plazo. Por eso huimos de ellos, nos alejamos de su lado.

Yudoku es un manga español, de las debutantes Gina Vila y Arán, que trata sobre ellos, sobre esos Yudokus o personas tóxicas que consiguen sacar lo pero de los otros, que hacen incluso que mueran violentamente, por su propia mano o asesinados por otro.

Un manga español y serio que sale del concurso de talentos de Norma Editorial, quien también ha publicado la obra. Y es una obra seria y oscura, lejos de los sentimentalismo adolescentes en los que suele escarbar el manga.

Una serie de yudokus que trata de identificar a los demás y apartarlos del mundo para que no generen más desgracia es el nudo fundamental de esta obra misteriosa y con toques de terror, que busca dar a una explicación al fenómeno e intentar que quienes lo padecen puedan vivir en sociedad.

Una obra con el encanto del manga, pero que se sale de algunos de sus tópicos para esta obra que explora lo peor del ser humano, sus peores ideas, que van contagiándose de una manera imprevisible y directa y que van minando el corazón de los demás. Una obra que explora el ser humano y que lo muestra en muchos de sus peores momentos.

SPIDERMAN Y LA PÉRDIDA

Picado por la araña y superhumano. Así es Spiderman. Con poderes de fuerza, recuperación, falta de dolor. Su cuerpo sufre, pero se recupera rápidamente. Su mente y su corazón sufren mucho más y son más difíciles de recuperar. De entre todos los superhéroes, tal vez sea Spiderman el que más relación tiene con la pérdida.

Huérfano desde pequeño, vive con sus tíos mayores, pero incluso su tío Ben, su referente moral, muere al poco de conseguir él sus poderes y por su culpa, una culpa que sabrá encauzar recordando siempre el mensaje que su tío le dio: un gran poder conlleva una gran responsabilidad.

Pero por si fuera poco, Spiderman, Peter Parker, pierde a su mejor amigo, Harry Osborn, que se transforma en su enemigo y que le culpa de todos los problemas de su vida. Pierde Spiderman también el consuelo de la amistad.

Y la pérdida más dura de todas, la del amor. El duende verde mata a Gwen Stacy, su gran amor, la chica que sabía que él era Peter Parker, la que quería más a Peter que a Spiderman. En Marvels, la era de los prodigios, Kurt Busiek propone la muerte de Gwen Stacy como gran punto y aparte en la mitología Marvel y también como un inicio de una etapa diferente en el mundo heroico. La muerte de los seres queridos llega a esa realidad paralela de los cómics y se lleva por delante la ilusión del protagonista de Marvels.

El pobre Peter Parker, siempre irónico en sus peleas, siempre buscando el lado divertido de la vida, se ve azotado constantemente por la pérdida, por el dolor, que además se ve contrapuesto por su capacidad superhumana, por su fortaleza corporal que permite a su cuerpo afrontar casi cualquier reto.

La condena de Spiderman es la de perder a la gente, la de estar solo, porque su poder, además de una gran responsabilidad, le lleva a la soledad y el dolor. Y en un ejemplo de estoicismo y aceptación, de ser humano dentro de un cuerpo superhumano, Parker sigue siendo Spiderman, sigue ayudando a los demás, sigue siendo el héroe por fuera y el gran perdedor por dentro.

HUMANOS Y NO: EL PASO DEL TIEMPO

Humanos y no, los superhéroes se enfrentan en muchos momentos al peligro de la muerte, pero nunca a la decrepitud, al paso del tiempo, a la pérdida y la nostalgia. Humanos por sus sentimientos, pero excepcionales por su físico, los superhéroes no pueden entender la decadencia del ser humano, la pérdida de facultades, la pérdida de los amigos y los familiares, el paso del tiempo.

Sus vidas, más largas, incluso casi inmortales, nos son contadas en múltiples ocasiones, pero siempre en los momentos más esplendorosos, donde no tienen miedo al paso del tiempo, al peligro de vivir y de ser viejo, antiguo, de estar fuera de la actualidad.

Superman, Batman, Spiderman, Lobezno, en diferentes contextos, nunca envejecen, nunca cambian, nunca sienten el peso del tiempo, son eternos, jóvenes siempre, siempre en esplendor, siempre enfrascados en su trabajo, en su labor, sin que el tiempo pase.

Para el ser humano, el tiempo pasa y sus estragos en el cuerpo, en los sentimientos y en el espíritu. Tienen que asumir su condición de pasajeros, de fugaces, de que un día su paso por aquí terminará. En ese sentido el ser humano cambia, evoluciona, sufre por el cambio. Los héroes son pétreos, duros, imperturbables.

Por eso también nos gustaría ser ellos, porque son eternos y no fugaces, porque se quedan y no envejecen ni sufren el paso del tiempo. Pero huidos de la ficción, afrontar esa realidad, la humanidad y el tiempo, es uno de los grandes trabajos del ser humano y no fracasar en él francamente difícil.

TRENT, WESTERN EN LA NIEVE

Cuando imaginamos aventuras en norteamérica, siempre se nos viene a la mente un paisaje árido del Oeste, con el sol y el desierto y los vaqueros solitarios y duros, durmiendo al raso y viviendo con su caballo. Un paisaje de Arizona o de Kansas, donde hay que ser el más rápido con el revolver.

Pero hay más paisajes en ese gran territorio. Las aventuras de Jeremiah Jhonson nos mostraban otro paisaje muy distinto, el del Noreste. La vida de los tramperos que se movían entre lo que ahora sería la frontera entre Estados Unidos y Canadá. Nieve, bosques frondosos, pieles de animales, y aventuras que incluyen a la naturaleza salvaje entre los enemigos.

En ese mismo territorio años más tarde, terminada ya la colonización y las guerras de independencia, se mueven unos de los iconos más reconocibles de la zona, los policías montados de Canadá y las aventuras de uno de ellos son las que se presentan en el cómic Trent.

Trent es el protagonista de un Western clásico, pero su historia no tiene lugar en el Oeste sino en el Este y en el Norte, allí donde el desierto no se concibe, ni el sol y las pitones y los escorpiones pueden jugarte una mala pasada. Es un paisaje nevado, de lobos y osos y cazadores y ladrones de pieles.

Hombre duro que se enfrenta al crimen, Trent protagonizó aventuras de corte clásico, muy del estilo del cómic europeo hasta que su serie acabó en 2008. No hay gran carga de violencia en sus páginas, pero la soledad, la dureza y el interior de su protagonista dan una profundidad a sus historias que va más allá del género.

Sale a la venta el integral en tres tomos de las aventuras de este héroe solitario y experto que lucha contra la naturaleza misma y contra la naturaleza del hombre. Un cómic clásico de historias clásicas que como tales nunca pasan de moda y que siempre permanecen vigentes.

ROMPENIEVES, APOCALIPSIS Y ESPERANZA

Tal vez por este contexto de crisis general en el que parece que todo está en el aire, que todo puede en cualquier momento cambiar y dejar de ser lo que ha sido durante tantos años, se suceden las historias sobre el apocalipsis. Pero son todas historias que cuentan el después del apocalipsis, la resistencia a él y la forma de afrontarlo y de volver a lo anterior. En el fondo son historias épicas de la creación del mundo, o de la recreación del mundo anterior. Cantos a la nostalgia.

Algo así es Rompenieves, el cómic o la película. La historia de un tren de movimiento eterno que circula por un mundo apocalíptico de manera infinita, sin poder parar, pues si para todos sus ocupantes morirán por el frío y la nieve que cubren ahora el planeta.

En el tren, como en una pirámide social, se encuentran distribuidos por vagones, desde la cabeza a la cola, los miembros del mundo, desde los ricos que cuentan con espacio y con comodidades, hasta los pobres que están hacinados y con poca comida.

Una rebelión de los pobres tratará de cambiar las cosas en esa sociedad cerrada. Pero a esta rebelión se une otra historia, la de un hombre que cree que la vida en la Tierra es ya posible, que el frío ya no es tanto, que se puede vivir fuera del tren.

Un viaje por dentro del tren y por las tripas de esta sociedad apocalíptica y cruel en la que la muerte y el dolor se juntan con la mentira y la brutalidad de las autoridades. Muchas son las ideas que se esconden en esta historia, desde la de la manipulación y la crueldad del poder para mantener su estatus, hasta la necesidad de ese poder para que todo funcione como es debido.

Y sobre todo la esperanza, como siempre moviendo las historias épicas. Porque sólo teniendo esperanza se puede luchar para mejorar el mundo, para cambiarlo, o para devolverlo al punto anterior, el punto de nostalgia que incluso ahora, en 2014 nosotros tenemos. 

LA PRÓRROGA, UNA NOVELA GRÁFICA EN LA FRANCIA OCUPADA

La ocupación de Francia por parte de Alemania durante la Segunda Guerra Mundial ha sido tratada por muchos autores y en formas muy distintas. Modiano, el premio Nobel de literatura de este año, tiene este período como marco de referencia para muchas de sus obras. Y no sólo él, muchos otros han tratado ese período entre ominoso y glorioso de la historia del país vecino. Desde la serie Aló, Aló, que hablaba en tono de humor de esa ocupación y de la tarea de la resistencia hasta La prórroga, el cómic o novela gráfica de Gibrat.

Gibrat sitúa su historia en un pequeño pueblo de la Francia central, con su café, su cura y sus parroquianos, ya mayores pues los jóvenes están en la guerra. Al pueblo llega Julien un joven que ha desertado de la guerra y que es dado por muerto.

Para poder seguir así, muerto y sin levantar sospechas ni correr más peligros, Julien se esconde en el palomar de una casa y desde allí observa la vida que trascurre a su alrededor, con las pequeñas batallas dialectales del café, las correrías de la resistencia o el peligro del ejército nazi o de la milicia francesa que la apoya.

Dos puntos destacan en el cómic, por un lado la historia de amor entre la preciosa Cecile y Julien, que la observa desde su palomar, que se muere de celos ante su amistad con un joven herido en el frente y vuelto a casa, por otro lado está la guerra, que sin llegar a ser real en el pueblo, está presente en todo y todos los actos.

De contenido antibélico, el cómic muestra cómo reaccionan las personas ante la guerra, como se sitúan en un bando o en otro, y cómo se van poco a poco deshumanizando, ante la muerte, la violencia y el desenlace del conflicto. El final de la guerra será largo, y mientras la venganzas por lo pasado estarán esperando en cualquier esquina.

De hermoso dibujo y con una narración que combina la guerra y la vida, la novela gráfica enseña lo mejor y lo peor del ser humano, como un reflejo de la vida misma y de un período convulso y extraño de la historia. 

MOBY DICK, VERSIÓN CÓMIC

Entre las novelas que no triunfaron en la vida de sus autores destaca poderosamente Moby Dick, sobre todo por el enorme éxito que tuvo después. Su meticulosidad en las descripciones de la vida marinera, sobre todo de los balleneros, o su acción que avanza lentamente no ayudaron a que la novela tuviera una vida fácil. Pero con el tiempo, la historia ganó a todo y se impuso como un clásico norteamericano, que es tanto como decir un clásico mundial.

La obsesiva historia del capitán Ahab y su lucha contra la ballena blanca que le arrebató su pierna, se ha convertido en toda una alegoría de la obsesión. Las ideas repetitivas y obsesivas pueden ocupar la cabeza del ser humano con una tenacidad sorprendente, y son capaces de permanecer en él hasta que se realizan, sea cual sea el final de esa realización. Perder la vida le daría igual al capitán Ahab con tal de calmar su obsesión y de cumplir con su venganza.

Otras ideas simbólicas permanecen también en la novela, muchas de temática religiosa y filosófica, como son el objetivo final de la vida como una búsqueda incesante. También la presencia en un barco de muchos hombres de muy diversas nacionalidades le dan cierto aire de historia universal contada a través de una historia personal.

Como clásico que es, Moby Dick ha motivado versiones y otras realizaciones de la historia a través de otros géneros. El cine llevó a la pantalla la historia con Gregory Peck como protagonista. Y ahora dos autores franceses (Jouvray y Alary) publican una revisión en cómic de la clásica novela de Melville.

Con detallados dibujos, con atención a los detalles de la descripción y también atendiendo a la narración, a los hechos que acercan a la tripulación del ballenero al abismo, a la muerte, a la obsesión del capitán que acaba por extenderse a todos, así se presenta este cómic que tiene la capacidad de dar a conocer la historia de Moby Dick con mucho más dinamismo y ligereza.