JESÚS EL MELANCÓLICO

En La caída, uno de sus tres novelas, Camus reflexiona a través de un largo monólogo sobre casi todas las cuestiones de la vida. En un ejemplo de cómo el existencialismo y el nihilismo van ganando el terreno al hombre según madura y se hace mayor, el personaje principal muestra su desencanto del mundo, su patente inutilidad. Entre sus muchas reflexiones hay una que habla sobre Jesucristo y su melancolía.

El protagonista defiende que siempre ha percibido a Jesús como un ser triste y melancólico, un hombre que sabe cuál es su destino y que sabe también, según la opinión del protagonista, que ese destino será inútil, pues los hombres no tendrán salvación, no dejarán de ser hombres y por tanto de actuar de manera egoísta y malvada.

Esa melancolía de las representaciones artísticas de Jesús, en casi cualquier época de su vida, se antoja una observación muy certera por parte del personaje de Camus. En las películas vemos representado a un Jesús que más allá del tono mísitico que se le pretende dar, está siempre como ausente, como fuera de todo y poseído de una honda tristeza.

No es miedo, ni dolor, ni angustia, es tristeza lo que se percibe también en pasos religiosos, en esculturas, en cuadros, en retablos y en gran parte del arte religioso, y no sólo el que representa la pasión y la muerte, la tortura y el calvario y la crucifixión. Las representaciones que nos muestran al Jesús anterior ya contienen ese rictus de tristeza en él.

También persisten en algunas narraciones. En los evangelios y en otros textos que hablan de Cristo y su vida. No hay asomo de esa alegría que realmente debería representar, de esa alegría que es Dios para los hombres como lo son los hombres para Dios.

El sacrificio que habrá de afrontar y su parte humana, su parte de hombre, que siente dolor y miedo es la que trasmite esa pena, esa tristeza que vemos en sus representaciones. Porque afrontar un gran sacrificio, con la intuición de que será inútil mueve a la pena y aunque lo afrontará con entereza, no le abandona la sensación de que es necesario más que útil llevarlo a cabo. Y no deja de sentir tristeza también por tener que abondonar a los hombres y dejarnos solos. Solos y confundidos. Solos y malvados. Solos y unos contra otros.

ÉRASE UNA VEZ... EXPOSICIÓN DE ANA RODRÍGUEZ PASTOR EN TOLEDO

El trabajo de Ana Rodríguez Pastor como ilustradora no es nuevo para nosotros. Durante muchos años ha colaborado con Creatura (y en muchos aspectos sigue colaborando). Aquí hemos podido ver sus dibujos y también sus viñetas, no sólo muy bien hechas, bien dibujadas, sino también muy divertidas, con unos textos ingeniosos y divertidos.

Ese trabajo también hemos podido verlo en libros infantiles, en exposiciones colectivas o individuales en Illescas o en una serie de trabajos para juegos y cartas on line. Y eso es sólo la punta del iceberg del trabajo de Ana, que va desde esos dibujos a la joyería, pasando por casi cualquier cosa que combine el arte y la artesanía.

La Escuela de Arte de Toledo expone en su sala Matías Moreno, desde hoy martes 17 de marzo y hasta el 10 de abril un conjunto de ilustraciones de Ana sobre la ciudad imperial. Érase una vez... Toledo es el título de la exposición en la que veremos a los personajes de Ana pulular por la ciudad que siempre ha estado ahí. El Tajo y sus puentes, sus calles estrechas, la judería, las iglesias y ese ambiente tan especial que hay en la ciudad han sido coloreados por los ojos y las pinturas de Ana que da su imagen tan optimista y tierna de la pétrea y hermosa ciudad.

Una exposición que no hay que perderse, por ver Toledo, por ver el trabajo de Ana y por ver cómo Ana ve Toledo. Muchas razones para verla y casi ninguna excusa para no ir. Consulta todos los datos y los horarios en la imagen que acompaña a este post. No te lo pierdas. 

MODIGLIANI EN EL THYSSEN

Cuerpos alargados como una gran recta, con formas curvadas pero extendidas, hacia arriba, como creciendo. Eso era lo que Modigliani pintaba cuando pintaba un cuerpo humano. Formas alargadas, finas, que recuerdan, en cierto modo, a las de El Greco, a las caras y cuerpos alargados que el pintor cretense dejó en sus obras.

Perteneciente a la vanguardia europea, en esa época en la que aún no habían llegado las guerras y un poco después, con la gran alegría del final de la primera gran guerra, Modigiliani vivió en París, centro mundial de todo, con Apollinaire, Picasso o Rivera.

Influenciado por Klimt o Cezanne, realiza multitud de retratos y pinturas del cuerpo humano, reflejando esa línea recta. Con expresiones decaidas y aburridas, con abultamientos circulares repentinos, la obra de Modigliani representa un cuerpo humano que se funde con lo arcaico, con lo más profundo del ser humano.

Ahora el museo Thyssen realiza una exposición sobre el pintor y escultor (tuvo que dejar la escultura por los problemas de salud que el polvo de la piedra le provocaba) italiano. Desde hoy y hasta el 18 de mayo tenemos ocasión de ver una antología de sus obras en el museo madrileño.

Una ocasión para aprovechar pues la obras visitan Madrid y luego vulven a su destino, desmontando esa unidad que nos permitirá ver una obra en conjunto, esa poética del arte que practicó el italiano. 

MÉNDEZ BRINGA EN EL MUSEO ABC

Con el auge de la prensa, decenas de publicaciones se suceden en todas partes de España, de carácter local o nacional, y de la publicidad, los carteles están por todas partes y son dibujados artesanalmente hasta que llegan a la prensa, los dibujantes viven su edad dorada entre principios de siglo y el desarrollo de las nuevas tecnologías.

Diseñadores, ilustradores, pintores, artistas y narradores, todo a la vez, estos artistas despuntan en ABC, Blanco y Negro, las portadas de las colecciones de novelas (la novela del sábado, la novela semanal, lecturas) creando no sólo un estilo propio, sino modificando la moda, el vestir y el comportarse de la gente.

Muchas de las creaciones de Xauradó, de Sileno, de Picó van creando la moda de la mujer y del hombre, las formas de comportarse. Entre esos diseñadores están humoristas como Tono o Enrique Herreros o modernos artistas como Bartolozzi.

Uno de los más famosos es Méndez Bringa, al que el museo de ABC dedica un monográfico mostrando sus trabajos para la casa que incluyen portadas para el periódico y para Blanco y Negro, su revista señera así como otros trabajos para Prensa Española.

En pleno modernismo, Méndez Bringa retrata a mujeres que corresponden con el ideal poético que aparece en Rubén Darío o en Juan Ramón Jiménez. Retrata una España que está en cambio, entrando en un nuevo siglo, y cuyos personajes reciben también reminiscencias de París y de la Belle Epoque.

Gran ilustrador, notable pintor, capaz de captar la esencia de los objetos y de los personajes, de sintetizar los sucesos y las realidades, las historias en unas pocas imágenes, Méndez Bringa fue maestro para muchos y supo realizar un trabajo notable en un campo que permitía a los artistas ganarse la vida y defender su modo de ver la realidad y mostrarla a un público amplísimo.

EL CANTO DEL CISNE. EL FIN DEL CLASICISMO

El clasicismo pasó de moda de forma casi inmediata. Estábamos en el siglo XIX y los temas y los estilos del gran clasicismo, en casi todas las artes, quedaron barridos del arte. El neoclasicismo los había devuelto de una manera dogmática y la libertad del XIX con el romanticismo y la preocupación social que vino después, barrió del arte para siempre los grandes temas, sobre todo pictóricos.

Los temas mitológicos, los temas religiosos, el retrato, pasaron de moda o se reconvirtieron tan brutalmente, que casi nada quedó de ellos en lo posterior, que olvidó la pintura representativa y que avanzó en la abstracción y la interpretación del mundo más que en su representación.

En la Fundación Mapfre proponen hasta el 3 de mayo una exposición que habla sobre ese final de la pintura clásica. De ahí que la hayan llamado El Canto del Cisne, es decir, la última y tal vez más preciosista muestra de ese arte que durante tantos años llenó y llenó los cuadros de los más grandes de todas las épocas y los lugares, de Velázquez a Rubens, de Vermeer a Durero.

Cuadros cedidos por el Museo D'orsay, muestran el mundo tal cual lo soñaron los clásicos. Ninfas, dioses, cuadros religiosos, momentos gloriosos inmortalizados, todo eso podremos encontrar en el Museo que la fundación tiene en Recoletos.

Un mundo que casi se cerró en la época por imaginado y visto por aquellos que lo cerraron, que lo acabaron y que lo hicieron con toda la fuerza, expresividad y vitalidad. Podemos ver así cómo acabó un mundo, una forma de expresarse, toda una forma cultural que así acabó.

AMOR DESTRUCTIVO

Hace unos meses una noticia saltaba a primera plana y estaba ahí durante unas horas. Un hombre había entrado en un bar y había tomado como rehén a algunas personas. Una mujer le había roto el corazón, le había engañado y se había llevado parte del dinero. Y él estaba allí ahora, como un tonto, intentando hacer algo para quitarse esa pena.

El amor, visto con perspectiva, es un arma con un enorme poder de destrucción. Evidentemente también de creación, pero a casi nadie le interesan las historias de amor de los demás, con esa felicidad silenciosa en que viven. O que al menos era silenciosa hasta la proliferación de facebook, instagram y esas cosas.

Totino Carotone lo vio hace muchos años y por eso cantaba aquello de “me cago en el amor”. Escribió un himno en contra del amor y de sus tópicos, un himno descreído contra el sentimiento que deshace y destruye y que sirve, en el fondo, para ensalzar el sentimiento amoroso.

La capacidad destructiva del amor tuvo su gran expresión durante el romanticismo, cuando las historias de amores imposibles, mejores historias cuanto más imposibles, llenaban las páginas de las obras de teatro y de las novelas.

Incluso en la vida real tenía repercusión ese amor devastador y destructor. Larra, agudo y esforzado en sus razonamientos, fue incapaz de soportar el desamor y, en un arrebato típico de la época, acabó con su propia vida, sin pensar si tras el amor, detrás de él hay más o no.

Millones de historias sobre amores desgraciados, que han acabado con la vida de los que los padecieron, hombres y mujeres, tiernos o duros, modernos o antiguos, llenan las creaciones culturales. ¿Son un reflejo de la realidad o son los creadores de una realidad?

MIGUEL ÁNGEL, UNA VIDA ÉPICA

El género biográfico que acompaña a la historiografía casi desde sus inicios, ha dado mucho al conocimiento de grandes personajes de la historia por parte del gran público. Desde que Suetonio contó Las vidas de los doce Césares se vio la posibilidades de este subgénero de la historiografía.

La vida de Miguel Ángel Buenarroti, uno de los más grandes artistas de la historia, da para muchos libros, para muchas biografías y muchas historias, ciertas o no. En todo ese material que se conoce sobre el pintor italiano ha puesto orden Matin Gayford en un libro que publica Taurus con el título de Miguel Ángel, una vida épica.

Desde los inicios y los años de formación del pintor, hasta cómo se le asignó pintar la Capilla Sixtina y cómo realizó el trabajo, sus obras escultóricas, su vida y sus talleres, sus relaciones con los señores y otros artistas de la época, toda una vida de gran interés por su trabajo y por su vida que se recoge ahora en un volumen.

Conocer los grandes detalles de la historia, cómo Miguel Ángel fue haciéndose un nombre, cómo sus obras fueron tomando valor y cómo llegaron a adornar las más mayores obras del momento e incluso como traspasaron las fronteras italianas y llegaron hasta Bélgica o Francia.

La vida de un hombre interesante que fue todo lo que podía ser, que dejó obras maestras en todo lo que participó, que aún suscita interrogantes y preguntas, que mantuvo tensas relaciones con otros genios de la época, que se movió entre intrigas palaciegas y enormes egos. Un personaje épico, como la historia de su vida. 

MÁS RESPUESTAS PARA UN MISTERIO: LA GIOCONDA

El misterio, ya lo hemos dicho en muchas ocasiones, es algo que aplicado al arte le da un plus de actualidad, de vigencia y de estar siempre presente. Ese misterio obra en los espectadores una atracción que les lleva siempre al mismo sitio, a la misma obra, para intentar descubrir ese misterio.

Tal vez el más grande de todos sea el misterio que siempre ha acompañado a La Gioconda o Mona Lisa. ¿Quién era? ¿Por qué tiene esa sonrisa? ¿Cuál es el paisaje que muestra detrás? Todas esas preguntas clásicas que tienen no sólo los espectadores que llenan el Louvre para verlo, sino también los estudiosos que siguen publicando y hablando sobre esas preguntas.

Dos teorías nuevas encontramos en los periódicos estos días. La primera dice que Da Vinci era catalán y que, por tanto, el paisaje trasero que acompaña al cuadro es la sierra de Monserrat. No sólo se dice, sino también que la mujer que llena el cuadro es Catalina de Aragón.

Otra teoría, proviniente de China, se suma a esta y a muchas otras. Da Vinci era en realidad chino. Era hijo de una esclava china que es realmente quien posa en el cuadro. Las montañas que aparecen detrás de esa mujer son claramente para el autor de esta teoría un paisaje chino.

Como vemos, el misterio de la obra sigue vigente y muchos intentan no sólo resolverlo sino también arrogarse al autor y a la modelo. Por el prestigio que tendría que realmente Da Vinci fuera suyo, por la importancia que tendría resolver ese misterio.

Sea como fuere, tengan razón estas teorías o muchas otras sobre la obra, ese misterio que envuelve al cuadro y a la modelo, llevará al espectador a la obra una y otra vez. Y esa es la grandeza de la obra y del autor, haber sido capaz de crear una obra que siempre será misteriosa, que siempre estará vigente. 

ARTE Y RELIGIÓN: A SU IMAGEN

Su papel predominante, y único en muchos casos, hizo que la religión católica fuera no sólo depositaria de las creencias del pueblo, sino también una fuente de arte y cultura. Bien como tema o bien como inspiración, la religión está presente en numerosas obras, exaltando sus valores y mostrando trazas de sus muchos mitos e historias.

Este hecho tan evidente se plasma en la música, en la literatura, en la escultura, la arquitectura y la pintura. Todas las artes dedicaron gran parte de sus obras a explicar la fe, a fomentarla y a contar muchas de sus historias. Y lo hacían de una forma tal que las obras que se producían han pasado al catálogo de maravillas artísticas, o al menos al de piezas artísticas dignas de ser estudiadas, conservadas y contempladas.

En el Centro Cultural de la Villa de Madrid una exposición pictórica repasa esa relación entre el arte y la religión, esa relación entre lo que se cuenta y cómo se cuenta. Con obras de Rubens, Goya, Velázquez, Ribera cuentan no sólo la fe, sino también las historias que la acompañan.

El Génesis, el Apocalipsis, la Anunciación, retratos de la Virgen, pero también historias bíblicas como la de Sansón o la de Ezequiel se dan cita en esta exposición que cuenta con una temática única pero variada y sobre todo con piezas de autores importantes de épocas muy diversas, mostrando como el tema religioso no pasó de moda y estuvo vigente durante siglos en la historia del arte.

Desde 7 euros y hasta el día 12 de abril puede hacerse este paseo que cuenta la relación entre el arte y la religión y que también cuenta la historia del cristianismo, de sus mitos y narraciones, a través del trabajo de grandes artistas clásicos.

EL PRADO Y EL DIBUJO, UNA NUEVA EXPOSICIÓN

El Prado inaugura estos días una exposición sobre dibujo que no es única ni mucho menos, ya que hace no demasiado tiempo ya planteó otra. Y es que el cuidado por este arte en el museo español es fundamental, como atestiguan sus más de 9000 obras catalogadas entre las que hay maestros como Miguel Ángel o Goya.

En la exposición que se plantea ahora, tiene el protagonismo un albúm de dibujos que fue comprado por un comerciante inglés hasta que, por diversas peripecias propias de una novela de aventuras o del Halcón Maltés, llegó al museo de Hamburgo que las presta para esta exposición.

Entre lo que se expondrá encontramos obras de Goya, Alonso Cano, Murillo o Valdés Leal, grandes pintores que en sus dibujos muestran el mismo arte y su expresividad que en sus pinturas.

Si no parece tiempo ahora de grandes exposiciones, salvo las auspiciadas por conmemoraciones, el Prado está sabiendo desenvolverse y reinventar sus materiales para seguir en boga y acercar al público al museo, algo que no se antoja fácil.

Dibujos de todo tipo se encuentran entre esta exposición, desde los apuntes de trabajo hasta los más acabados y minuciosos. Una exposición que se adentra en la importancia del dibujo para el arte y la pintura y que el Prado muestra no sólo para los especialistas, los que buscan las fuentes de las obras terminadas, sino para que comprobemos cómo nace la pintura, desde dónde se elabora y hasta dónde llega.

ARTE, MERCADO Y BENEFICIOS

En el amplío mundo del arte, considerando arte también la industria del entretenimiento, hay eso que podríamos llamar variación de velocidades económicas. Mientras hay artes que mueven poco dinero, otros, siguen con una salud robusta y generando cada vez más y más beneficios.

Mientras los beneficios para los cineastas, los actores y los escritores son cada vez más estrechos, agobiados por muchos factores incluyendo la piratería entre ellos y no precisamente como uno menor, el beneficio para determinados artistas plásticos sube y sube.

Mientras algunos artistas se encuentran luchando por la supervivencia, no sólo su propia supervivencia, también por la supervivencia de su labor, de su propio arte, otros baten continuos récords de venta.

El mundo de las subastas y del arte privado, por así llamarlo, ha vivido estos días su mayor explosión en Londres, durante la feria Frieze, con ventas que han superado los 1725 millones de euros en una semana. Una cantidad de dinero con la que no pueden competir el cine o la literatura.

Ante su exclusividad (sólo hay un objeto, uno, que puede ser adquirido) no pueden competir el cine con sus miles de copias o la literatura con sus millones de ejemplares. Esa exclusividad es la principal baza del arte plástico. Una exclusividad de la que siempre podrá hacer gala el propietario, más allá de modas o movimientos artísticos.

El mercado artístico sigue pujante, pero las ideas para el resto de mercados no aparecen, y estos, empujados por impuestos, falta de espectadores, legislación y muchas veces de atractivo, languidece esperando tiempos mejores que tal vez algún día lleguen.

EL REALISMO CRÍTICO DE SANCHA EN EL MUSEO DE ABC

Los periódicos publicaron desde bien pronto en sus ediciones dibujos de la actualidad para mostrar como era la realidad. No sólo dibujos que ilustraban sus informaciones en un tiempo en el que la fotografía no estaba desarrollada, sino también en forma creativa en la que sus autores mostraban su propia versión de la realidad.

Uno de esos dibujantes, que participó en la prensa a comienzos del siglo XX, es Sancha. Con su trazo fino muestra la realidad circundante al Madrid de 1900, cuando la prensa escrita, de mañana, tarde y noche, mostraba a los lectores el mundo que les rodeaba.

Fuera de ese mundo noticioso, estaban los pobres. En tiempos económicos aún peores que estos, con una gran crisis de la que costaría mucho salir (la gran crisis del 98) las dificultades en las que vivían muchos hombres y mujeres eran evidentes aunque no fueran noticia.

Sancha con su estilo irónico, publicó en ABC muchos dibujos en los que pobres, los desheredados, los desarrapados eran los protagonistas. Con un cierto tono irónico y con mucha denuncia, Sancha, que vivía en cierta bonanza económica después de una buena boda, posa sus ojos en los que no tienen nada, que son tema también de otros autores de más copete, como Solana.

Ahora muchos de esos dibujos se exponen en el Museo de ABC. Más de un centenar de dibujos que pasan revista a la obra de Sancha, un autor que trabajó en muchas de las publicaciones del grupo, desde la revista Blanco y Negro, hasta portadas para novelas cortas. Una obra curiosa e inspirada y que mantiene, como hija de un tiempo en crisis, la actualidad.

SOROLLA Y AMÉRICA

Como país joven y lleno de energía y sobre todo de dinero, los Estados Unidos atraían a mucha gente a sus tierras en busca de una vida y un futuro mejor. Entre los hombres que fueron a ganarse la vida no sólo había trabajadores de diferente cualificación, sino también artistas que fueron tentados y seducidos por el empuje de esa nueva nación.

Un ejemplo de ello es Antonin Dvorak, el compositor checo que invitado al país, compuso tal vez su sinfonía más famosa con el tema de las nuevas tierras como principal. La Sinfonía del Nuevo Mundo se convirtió en el mayor clásico del compositor que cuenta entre sus obras con otras muchas y de gran calidad.

Del mismo modo y casi al mismo tiempo Sorolla, el pintor español, realizó una gira por Estados Unidos, exponiendo su obra y mostrando su valía a coleccionistas y artistas del país. De esa gira nacieron numerosos encargos y cantidades de obras que ahora se encuentran en el país americano.

Esas obras entre las que se encuentra incluso un retrato del entonces presidente del país, Taft, han batido todos los récords de vista cuando han sido expuestas en museos de Dallas y San Diego y han llegado ahora a España para conformar una exposición.

En ella podrán verse sobre todo retratos pero también obras de otro tipo encargadas por mecenas americanos como obras realistas y de carácter social. Estas obras serán expuestas en la Fundación Mapfre hasta el 4 de enero de 2015.

Sorolla un pintor del que hay catalogadas más de mil quinientas falsificaciones, un pintor que puede codearse con los grandes de la pintura española, puede verse en su trabajo privado en estos cuadros que se complementan con la obra del pintor existente en el Museo Sorolla, uno de las más visitados de Madrid.

MILLONES DE TURISTAS, MUSEOS VACÍOS

Dos noticias con cierta relación se entrecruzan en los diarios españoles. El país recibió 45 millones de visitantes el año pasado. A la vez, los recortes han traído a los principales museos españoles pérdidas que oscilan entre el millón y los cinco millones de euros.

Más visitantes para el país debería suponer que la industria turística, en todas sus variantes, dentro de la cual se encuentra, sin ninguna duda, la cultural, tendría que tener más recursos para atender y hacer que esos turistas quieran volver y hagan por atraer hacia aquí a más turistas. Es decir, que promocionen su viaje contando lo bien que lo han pasado aquí.

El enorme patrimonio español, atesorado a través de siglos de dominio sobre Europa, de talento criado y cultivado en la gran metrópoli de una de las potencias mundiales, pero también a través de la pertenencia al Imperio romano o a los vestigios que muchas civilizaciones han dejado en la Península Ibérica, atrae las miradas del mundo.

Pero si ese patrimonio que poseemos no se ve explotado certeramente será como si no exisitiera, como si no hubiera un Museo del Prado lleno de Velázquez y de Rembrants o un Reina Sofía lleno de Dalís y Picassos, o un Thyssen con Caravaggios, Rubens o Lichtensteins.

Los fondos que se reparten a los museos son cada vez menos y menos, tanto que han tenido que dejar de hacer grandes exposiciones y fijarse en los fondos propios y también han tenido que ahorrar al máximo, lo que choca en muchas ocasiones con la difusión del arte y la cultura.

Esta difusión del arte y la cultura que sería necesaria por sí misma, que es útil por sí misma al hombre, es necesaria también como modelo de explotación económica, dando un plus a los ingresos del Estado y también a los muchos turistas que visitan nuestro país, que podrían no sólo visitar las playas y los bares, sino también los museos.

ARTE: MERCADO NEGRO Y FALSIFICACIÓN

El mercado del arte, con sus subastas continuas y sus récords habitualmente batidos, muestra un auge que no casa con la actual coyuntura económica. Millones de dólares o de euros son gastados o invertidos por coleccionistas privados en obras tanto contemporáneas como clásicas, en un sentido amplio de la palabra clásico.

Por debajo de ese mercado oficial, con sus impuestos, sus facturas y sus rastros más o menos legales de adquisición de las obras, hay otro mercado subterráneo, un mercado negro de obras artísticas que deberían estar en manos conocidas, que podrían estar catalogadas y hasta poder ser estudiadas, pero que están en manos desconocidas y ocultas.

Ese otro mercado, donde no se pagan impuestos y nada es legal, mueve seguramente tanto dinero como el otro, si no más. Y comete un doble crimen, el de la ilegalidad de las adquisiciones y el de no mostrar al mundo las obras que seguramente merecerían serlo.

Libros, estatuas, esculturas, pinturas, todo cabe en ese mercado de arte escondido que nunca saldrá a la luz pues significa para sus propietarios tener algo que nadie tiene, tocar algo que nadie puede tocar, disfrutar de algo que nadie disfruta. Es decir, la mayor de las exclusividades.

Pero en ese otro mercado hay algo que también puede fallar, el rastreo de las fuentes, la identificación absoluta de las obras. En Austria se ofrecían obras de Picasso por 300.000 euros. Eran falsas. Pero la policía cree que el grupo que las vendía contactó con muchos compradores a los que ahora piden que denuncien, que muestren esas falsificaciones y admitan que fueron estafados.

Una estafa que muestra lo frágil de ese mercado, donde nada puede ser lo que parece y donde se pagan precios sensacionales por algo que puede no tener ese valor. Una burbuja eterna, que parece no explotar del todo nunca, pero que a algunos les revienta en la cara.

RICARDO DE ORUETA CONTRA EL OLVIDO, EXPOSICIÓN ESTO ME TRAE AQUÍ

Uno de los pocos museos nacionales que no está en Madrid es el Museo Nacional de Escultura que se encuentra en Valladolid. Situado en el Colegio de San Gregorio, un lugar tan particular que llevó allí a Orson Wells, quien rodó escenas de Mister Arkadin, el mismo edificio, como en muchas otras ocasiones, ya es de por sí un monumento destacable.

Este museo alberga una enorme colección de obras religiosas. Tras la desamortización de Mendizábal y la nacionalización de muchos y muchos objetos y lugares hasta entonces en propiedad de la Iglesia, se creó el museo que adquirió a partir de entonces un patrimonio inmenso, que contiene una colección fascinante de arte religioso, pero también destacables piezas de la antigüedad y la modernidad.

En los próximos días el museo dedicará una exposición a la figura de Ricardo de Orueta. Destacado intelectual de los años 20 y 30, Orueta ocupó también cargos políticos durante la República. En esos cargos creó una ley de Patrimonio que frenó la venta y exportación de materiales únicos españoles. Nacionalizó de facto casi todo aquello que fuera valioso y prohibió la venta, hasta ese momento habitual, de castillos, ermitas, iglesias y piezas decorativas pertenecientes al patrimonio español.

Esa ley, que fue actualizada en los años 80, fue de las más novedosas y avanzadas de la época y legalizaba los comportamientos actuales que se tienen sobre el patrimonio, extendiéndose en su importancia educativa y social y partiendo del principio de que, aún en manos privadas, el patrimonio pertenece a todo el pueblo español y no sólo a aquellos que lo poseen o lo mantienen.

La muestra da testimonio a la gran labor educativa y legislativa de Orueta, que siempre consideró la cultura como fundamental en la formación y el conocimiento en directo de la cultura como base única para conocer el mundo y la vida. Imágenes con su labor legislativa y administrativa y gran documentación sobre su labor intelectual componen la obra que trata de rescatar del olvido a un hombre al que debemos tanto y que sentó las bases de la conservación y la difusión del patrimonio español.

NADA ESTÁ TERMINADO, EL YACIMIENTO DE ANFÍPOLIS

Que nada está totalmente cerrado ni olvidado, que siempre se puede aportar algo nuevo a un conocimiento o a una investigación lo demuestra continuamente la arqueología. Acompañada de otras ciencias auxiliares como la paleografía, pero aportando siempre nuevos datos, nuevos documentos, nuevas visiones de lo que ya creíamos terminado y sabido.

Un ejemplo es la cueva que se encontró recientemente en una zona de Macedonia, Anfípolis, y cuyas excavaciones están no sólo aumentando el enorme patrimonio de esa zona sino también descubriendo detalles de cómo eran las gentes y las vidas que se encuentran encerradas en esa tumba.

Familiares de Alejandro Magno fueron sepultados allí, por la calidad y los detalles de las tumbas y esa información permite completar los conocimientos que tenemos sobre la familia del rey macedonio de cuya tumba no se tiene conocimiento. La partición de su imperio entre sus generales distribuyó el mundo conocido y cambió la historia del mundo dando paso al contexto necesario para la aparición de otros enromes imperios como fueron los Partos y sobre todo Roma.

Esa información contenida en la tumba, más todo el arte que allí se guardó servirá para promocionar el país ex yugoslavo y fomentar otras campañas de excavación en la zona, donde aún queda mucho patrimonio oculto que debería salir a flote.

Porque nada está totalmente cerrado ni olvidado y aún se puede aportar mucho, incluso en el conocimiento del mundo antiguo.

ARTE REAPARECIDO

Si hace unas semanas la noticia que nos llamaba la atención era la de que el Museo del Prado tenía cientos de obras sin ubicar, perdidas, ahora es dos apariciones extrañas la que nos llama la atención.

Que haya obras de arte por las que otros pagarían millones por ahí olvidadas parece más común de lo que se piensa. Si haciendo una obra en una casa cualquiera puede encontrase entre sus paredes un viejo ejemplar del Lazarillo, ocultado allí para evitar que la censura cayera sobre el propietario y probable lector de la obra, ahora son cuadros los que aparecen sin más.

En una maleta se ha encontrado un Monet. Este cuadro parece que pudo ser expoliado por los nazis y que el coleccionista alemán que guardaba en su casa centeneaes de obras similares lo llevaba consigo cuando estaba en el hospital. Ahora el cuadro deberá ser catalogado, verificado y devuelto a sus posibles dueños, si es que se encuentran.

Hace unos meses se encontró en los sótanos de la universidad de Yale un Velázquez. El cuadro, convenientemente restaurado, será expuesto ahora para disfrute de todos los aficionados y para estudio de los investigadores.

Estos hechos aislados nos hace reflexionar sobre lo efímero del arte. Lo que puede o no valer una obra dependiendo del contexto en el que se encuentre y de lo fútil de su materia. En cualquier momento una obra de gran importancia puede ser perdida, olvidada, puede desaparecer.

Esa desaparición de la que no nos hubiéramos enterado desata después ríos de tinta y curiosas reacciones así como posibilidades de riqueza para muchos que ni siquiera sabían que un cuadro pudo un día pertenecer a alguien de su familia.

El arte, algo sin más valor que el que le damos los espectadores, desaparece y reaparece sin causar mayores trastornos en nuestra vida real. Lo que deja abierta la pregunta de si es realmente importante.

LA MÚSICA, EL GRAN ARTE DEL ROMANTICISMO

Cada tiempo tiene un predominio artístico que va por encima de los demás, o que al menos, destaca por las enormes figuras que lo manejan y las obras de mérito que produce. En el romanticismo, no es la literatura el arte que predomina. No es el más pujante. Ni es el que produce mejores obras. De hecho el romanticismo literario, no sólo en España, es en calidad y en cantidad una zona menor de la literatura.

Sin embargo, hay una disciplina artística que prospera y llega a sus cimas durante la época: la música clásica. En apenas unos años se suceden los grandes compositores que además producen en esa época las grandes obras.

Al hablar de música clásica, las fechas se confunden. Llegamos incluso a mezclar a Schonberg con Wagner, porque en la etiqueta clásica no se entiende de años, sino de un tipo de música que está separada de la popular, un tipo de música que parece parada, casi muerta, al no nombrarse nuevos autores, nuevas obras.

Evidentemente esto no es cierto. Se sigue produciendo música clásica. Sigue habiendo autores que crean nuevas obras. Esto, que ahora no tiene publicidad, era absolutamente novedoso y exitoso durante el romanticismo. Lizst, Mendelsshon, Chopin, Berlioz, Schumann, pero también Beethoven, Tchayckovsky o Rimski-Korsakov se juntan en unos pocos años.

Y si hay un género que evoluciona por encima de todos durante el romanticismo, ese es la ópera. Conviven dos autores enormes, Verdi y Wagner. Creadores de la ópera por excelencia, ambos aunan obras de una música excepcional con una idea del espectáculo y la teatralidad que dará las cimas del género.

Por encima de toda la producción literaria, pictorica y de cualquier otro arte, la música romántica emerge en la historia del arte como todo un corpus artístico que puede no acabarse nunca. Sólo la ópera, que acabará por constituirse en un arte total, mezcla de música, teatro y artes estéticas.

RESPETO AL PATRIMONIO

Las visitas a lugares de enorme patrimonio se suceden durante la época estival. Esos lugares están ahora centrados en eso, mostrar lo que fueron, ser ejemplo de lo que el ser humano hizo en tiempos anteriores y mostrar lo que pudo hacerse, el mérito enorme que tuvieron los que lo hicieron.

Ese patrimonio, inmenso en nuestro país y en muchos otros, está ahí para disfrute de todos, las autoridades, en mucho caso insuficientemente e incluso negligentemente, lo cuidan y lo exhiben, muestran aquello que es destacable y lo protegen para que perdure y llegue a próximas generaciones.

Pero ese patrimonio, visitado durante el verano especialmente, es también en verano más frágil que nunca. Fragmentos que se roban, turistas que lo maltratan sin saber que aquello que hacen puede ir en perjuicio del conjunto que visitan.

Tener un fragmento de una obra maestra , de una obra que está en los libros de texto, en casa es una gran tentación. Incluso robarlo para guardarlo y luego que resulte innecesario y deshacerse de él. O subastarlo en internet para conseguir con ello un poco de dinero.

Todo esto puede acabar con el patrimonio como está acabando con Pompeya, cuyos mosaicos, piezas, y piedras están a la venta en muchos sitios y cuya protección es, según parece insuficiente. Un hombre ha sido detenido. Solo uno de los muchos que para tener un recuerdo de aquello que visitan, roban el patrimonio, lo maltratan y lo echan a perder.